De bons conseils pour les jeunes créateurs. Les principales erreurs des designers débutants. Ce qu'un vrai designer devrait être capable de faire

Récemment, lors d’une de mes conférences, on m’a demandé : « Où les jeunes designers industriels peuvent-ils trouver l’inspiration ? "Probablement dans une autre profession", répondis-je. Si un jeune designer a des problèmes d'inspiration et d'idées, il est fort probable qu'il se soit lancé dans ce domaine par erreur. Le problème du design moderne est qu’être designer est devenu à la mode. Cela semble beau et remplit les réseaux sociaux personnels d'une signification créative particulière. Presque tout le monde veut faire du design, même ceux qui n’ont jamais tenu entre les mains un seul livre sur le design. Carrière internationale, contrats, redevances, expositions, innombrables interviews, showrooms. C'est prestigieux ! Vous pouvez commander de belles cartes de visite, vous faire tatouer minimaliste et enregistrer un domaine avec votre nom. Cependant, derrière tout cela, le plus souvent, presque rien ne se passe - un mur apparaît soudainement, contre lequel de nombreux jeunes designers appuient leur tête, ne comprenant sincèrement pas ce qui n'a pas fonctionné.

La créatrice Dima Loginov. Lauréat du iF Product Design Award, du Red Dot Product Design Award, du ELLE DECORATION Best of Year Award, de l'International Design Award et autres.

J'ai une master class « Principales erreurs d'un designer débutant », dont je parle depuis de nombreuses années à différents publics dans différentes villes. Je souligne plusieurs erreurs évidentes qui entravent le développement non seulement de la carrière, mais aussi de la personnalité créative du designer lui-même, ce qui, bien sûr, est bien plus important. Lorsque j'ai conçu ce sujet, j'étais sûr de ne le présenter que quelques fois, car les designers apprennent vite, y compris à partir des exemples des autres, et surmontent rapidement les problèmes qu'ils rencontrent. Tout s’est mal passé. À chaque fois, qu’il s’agisse de juger les candidatures à des concours, de mes performances dans des master classes ou de la communication directe avec de jeunes designers, je constate les mêmes erreurs. Examinons quelques-uns d'entre eux, même s'il y en a bien sûr beaucoup d'autres.

j'ai déjà tout vu

La curiosité et un sentiment de soif constante d'informations sont un signe clair qu'un designer a toutes les chances de devenir quelque chose de valable. La phrase «J'ai déjà tout vu, vous ne me surprendrez pas, tout a déjà été inventé avant nous», signifie au contraire que le designer n'apportera rien d'intéressant à ce monde. Pour moi, ce sont des repères clairs. Si vous ne commencez pas votre journée en étudiant la « vision du monde du design », si vous « savez déjà tout », alors quelque chose ne va pas chez vous, surtout si vous aspirez à une carrière sérieuse de designer. Plus vous étudiez, meilleur est votre outil pour analyser ce qui se passe dans l’industrie. Et les compétences analytiques s’accompagnent d’une autre compétence nécessaire : une bonne évaluation de ses capacités et de ses perspectives est très importante. chose importante dans l’environnement hautement compétitif du design mondial.

Provincialisme

C'est encore un grand mystère pour moi de savoir comment les jeunes designers peuvent consciemment limiter l'éventail de leurs intérêts professionnels avec la quantité d'informations disponibles que leur fournissent les technologies de notre époque. Bien entendu, d’un point de vue global, le marché intérieur russe est un marché provincial qui ne donne pas le ton au développement de l’industrie. Nous sommes un marché, que cela nous plaise ou non. Cependant, les designers qui rêvent de bâtir une carrière internationale sérieuse ne devraient guère s’en soucier. DANS monde moderne un artiste, un designer, un créatif peut vivre et travailler n'importe où, même au milieu d'une forêt. Avec Internet et certaines compétences professionnelles importantes, vous pouvez concevoir pour n’importe quelle entreprise dans le monde, où que vous soyez. L'une de ces qualités est une compréhension des tendances, une conscience des processus qui se déroulent dans l'industrie mondiale. Pas ce qui se passe dans votre ville, région ou pays, pas seulement ce qui est écrit dans la presse intérieure locale, mais ce qui se passe de mieux dans le monde. Seul celui qui apprend des meilleurs exemples a la possibilité de développer les qualités nécessaires et de s'exprimer clairement, j'en suis convaincu.

Il y a un moment triste pour moi dans ma master class : je montre une diapositive avec une petite liste des principaux blogs et ressources de design au monde dans l'espoir que cette diapositive sera inutile. Après tout, je démontre les bases avec lesquelles tout designer curieux commence son parcours de recherche. À mon grand regret, presque tout le public se lève toujours et prend une photo de l'écran avec cette liste sur son téléphone, en entendant parler pour la première fois.

Paresse

Il semblerait que tout soit évident. Le design n’est pas seulement une question d’esthétique, de sens du goût et de capacité à faire le bon choix. Le design est une technologie. La maîtrise des outils, les compétences en modélisation informatique et en visualisation sont les outils les plus importants dans la création de design. Pensez-y : la plupart des designers perçoivent la modélisation et la visualisation uniquement comme le reflet final de leur conception, comme ce qu'ils montreront finalement au client, et non comme un processus de recherche créative. C’est pourquoi tant de designers (notamment les architectes d’intérieur) ne possèdent pas eux-mêmes ces outils, mais sous-traitent cette partie. Et c’est pourquoi le résultat de leur travail semble souvent si ridicule. Si les concepteurs savaient comment modéliser eux-mêmes leurs projets, le processus de création d'un projet, de recherche et de criblage d'idées au stade de la modélisation serait complètement différent, et le résultat en termes de qualité de l'idée serait d'un ordre de grandeur supérieur. . Que dire de la conception de produits, où la recherche d’une idée dans un environnement 3D constitue la partie la plus importante du travail d’un designer. J’attribue mon manque de connaissance des outils informatiques de base à une simple paresse. Mais l’ambition combinée à la paresse semble toujours comique et ne produit aucun résultat.

Faux motifs

Il existe une opinion selon laquelle être concepteur de produits est très cool. Je propose quelque chose, il se vend pendant des années et les intérêts des ventes coulent sur votre compte. Plus un bonus important : une renommée mondiale ! Bien sûr, tout cela est vrai si vos articles se vendent bien. Et c’est encore mieux s’ils se vendent bien partout dans le monde. Pourtant, dans le monde sursaturé de belles choses, il est assez naïf de croire que chacun choisira la vôtre. Très probablement, ils ne choisiront pas. Cela signifie qu’il faudra dire adieu aux illusions sur la carrière d’un grand designer industriel. Et vous devez vous y préparer sérieusement. Autrement dit, la chance que vous ne gagniez rien grâce à la conception d'un produit est plusieurs fois plus grande que la chance que vous en gagniez au moins quelques milliers d'euros. Je suis convaincu qu'il ne sert à rien de concevoir des produits pour des personnes en quête de reconnaissance, de gloire et d'argent, du moins faciles. Très probablement, ces concepteurs seront déçus. À l’inverse, les personnes motivées par l’amour du design (plutôt que par la place qu’elles y occupent) et par un besoin interne de créer constamment des objets, quel que soit le résultat commercial, ont une chance d’atteindre de plus hauts sommets. Pourquoi est-ce que je pense cela ? Les designers animés par une véritable motivation sont très résistants aux revers et aux défis de leur carrière. Après tout, quels que soient les échecs commerciaux, ils font ce qui les passionne : créer du design. Long et dur. (C'est le bon moment pour citer l'exemple de Zaha Hadid en architecture.) Cela signifie qu'un tel travail peut développer des qualités sérieuses que l'on voit rarement chez des designers motivés uniquement par la création d'un grand nom (sans raison objective).

Il y a quelques années, la publication britannique The Guardian a publié un article intéressant sur les difficultés rencontrées par les concepteurs de produits, dont la plupart ne gagnent que quelques centaines d'euros par an grâce aux royalties. Et bien sûr, ils doivent gagner leur vie grâce à un autre travail. Il semble que personne n'ait alors remarqué notre article, et je conseille à toutes les personnes intéressées de le trouver et de le lire. Il s’agit d’un métier difficile, incroyablement compétitif, souvent sans retour pour un designer, et seuls les créatifs qui ne peuvent pas s’imaginer en dehors de ce travail de design devraient s’y lancer. Ces personnes ne s'ennuieront certainement pas ! Qu'ils gagnent de l'argent ou non dépend de votre chance.

Le design revient constamment à ce qu’il était avant.

C’est la seule « vérité » constante dans le monde du design graphique.

Nous avons nos propres touches créatives et signatures uniques, mais nous étudions le travail des autres. graphistes, tout d’abord, s’inspirer, trouver sa propre voix.

Les écoles de design et les programmes universitaires se concentrent sur la « science » du design et attendent des jeunes designers qu'ils utilisent cette science et y ajoutent leur propre art.

Et si nous sommes des professionnels sans formation formelle, c’est-à-dire sans diplôme, nous apprenons nous-mêmes les bases.

Peu importe que vous soyez étudiant ou autodidacte, vous avez choisi un domaine où la concurrence est désormais tout simplement énorme. Et sans une bonne préparation, votre propre style et une dose de créativité, il n'y a rien à faire ici.

Voici quelques conseils pour les jeunes créateurs qui souhaitent laisser leur empreinte dans la profession.

1 – Développer les relations avec les influenceurs

Cela peut sembler une tâche difficile, mais les réseaux sociaux la rendent facile.

Quel travail admirez-vous et quel travail n’aimez-vous pas ? Retrouvez ces influenceurs dans dans les réseaux sociaux, où qu'ils soient.

La plupart d’entre eux seront sur Twitter, Facebook et Instagram. Ils présenteront leurs projets et participeront à leurs discussions.

Abonnez-vous et commencez à discuter aussi.

Cela vous aidera à rester au courant des nouvelles tendances en matière de design. Vous commencerez également à vous établir en tant que membre de la communauté du design. En conséquence, vous recevrez des conseils de designers à succès qu'aucun livre ne vous donnera.

Voici un exemple de la façon dont vous pouvez procéder sur Twitter.

Il existe également des sites Web qui vous fourniront des informations sur les tendances et les principaux influenceurs. L’un d’eux est 365 Awesome Designers. Il se concentre chaque jour sur un designer et constitue une excellente source d’éducation et d’inspiration.

2 – Devenez collectionneur

Les gens collectionnent des choses – des choses qui ont de la valeur à leurs yeux. En tant que designer, vous devez également collecter des valeurs.

Vous voulez un catalogue de designs qui vous plaisent et qui ont du succès.

Vous pouvez le faire de plusieurs manières : en tant que favoris dans votre navigateur Web, en créant un favori Pinterest ou en les enregistrant sur votre ordinateur.

Vous pouvez organiser ces projets par type : logos, affiches, infographies, etc.

Si vous les catégorisez maintenant, vous aurez plus de facilité à trouver ce dont vous avez besoin lorsque vous travaillez sur un projet dans l'une de ces catégories.

Même si vous n'avez pas encore de travail, c'est une bonne idée d'ouvrir vos dossiers et de parcourir les projets que vous avez collectés. Pensez à ce qui vous a frappé et à la manière dont vous pouvez utiliser certaines techniques dans vos propres projets. Vous pouvez également jouer en créant vos propres projets et en les enregistrant dans ce dossier.

Ensuite, lorsque le projet se présentera, vous disposerez d’une collection de bonnes idées.

Vous pouvez également commencer à remplir vos propres catalogues avec des éléments de Behance et Dribbble. Ils présentent d’excellents projets d’acteurs majeurs du domaine.

Parfois, les designers parlent de ce qui les a inspirés et de la façon dont ils ont travaillé sur un design que vous aimez – ce sont également des informations très précieuses.

3 - Suivre une leçon de cours de biologie

Dans les cours de biologie à l’école, vous démontriez des parties individuelles du corps pour les étudier et comprendre comment elles s’intègrent toutes dans un tout.

Vous devez suivre la même procédure psychologique lorsque vous explorez des projets qui vous plaisent. Chaque élément de cette conception a une ligne, une couleur et une texture.

Ils peuvent être assez simples, mais lorsqu’ils sont combinés avec d’autres éléments, ils créent un ensemble étonnamment attrayant.

Une autre chose que vous pourrez voir est le processus. Comme chaque couche du design, chaque structure s’intègre dans la composition. Après avoir analysé le processus, vous verrez la séquence des étapes qui ont été suivies pour créer le projet.

4 – Soyez précis dans votre recherche du « comment »

Nous avons tous vu des éléments de design que nous trouvons sympas, mais nous ne savons pas comment recréer cet élément. Cela est particulièrement vrai pour les choses qui n’ont pas été enseignées dans les écoles de design.

Alors, vous commencez à chercher sur Internet des instructions « comment faire ». Mais les recherches ne donnent aucun résultat.

Vous devez être très précis sur les éléments que vous souhaitez explorer.

Par exemple, vous voyez un logo comportant de longues ombres étonnantes. Ne recherchez pas « projeter des ombres ». Recherchez plutôt exactement ce que vous voulez : créer de longues ombres sur les logos.

Il y a de fortes chances que vous trouviez un didacticiel vidéo spécifiquement dédié à ce sujet. Vous souhaitez rendre votre recherche aussi précise que possible afin que seuls les résultats vraiment pertinents soient affichés.

Une façon de rendre vos recherches plus pertinentes consiste à utiliser la terminologie correcte.

Ceux d’entre nous qui ne sont pas allés à l’école de design ou n’ont pas obtenu leur diplôme il y a des années ne connaissent peut-être pas les noms corrects de certaines choses. Accédez à un bon glossaire de termes de conception, trouvez la terminologie actuelle et utilisez-la lors de vos recherches. Les résultats seront beaucoup plus précis.

5 – Le mimétisme est la forme de mensonge la plus sincère

Vous ne devriez jamais, au grand jamais, « copier », emprunter ou voler un dessin et essayer de vous l’approprier.

Cependant, comme bon exercice et pratique, voici ce que vous devriez faire.

Prenez un design que vous aimez et analysez-le. Essayez ensuite de recréer ce projet vous-même. Vous ne le distribuerez ni ne le vendrez à personne, vous n’enfreindrez donc aucune loi.

Cependant, vous développerez vos techniques et en apprendrez de nouvelles. Même si vous ne pourrez pas reproduire exactement le dessin, vous apprendrez beaucoup.

Utilisez les ressources dont vous disposez pour imiter le design. Et voyez ce que vous pouvez faire.

6 - Laisser un espace blanc

L’un des aspects regrettables du design aujourd’hui est que l’on essaie de s’intégrer le plus possible dans l’espace donné. Ainsi, nous encombrons le design - et c'est répugnant.

Les jeunes designers doivent comprendre que l’espace blanc est un élément de design à part entière, au même titre que les autres.

Et l’ajout de cet espace blanc rend le design plus agréable pour les utilisateurs, comme le prouvent de nombreuses études.

L’utilisation des espaces blancs demande une courbe d’apprentissage et il n’y a pas de « règles » définies. Vous devez expérimenter les modifications de mise en page et les tailles jusqu'à ce que vous obteniez le résultat souhaité.

Étudiez comment les autres utilisent les espaces en consultant votre catalogue ou d’autres sources.

7 – Ayez toujours un projet qui reflète votre passion

Que vous ayez des commissions ou non, vous devez toujours avoir un « projet passionné » sur lequel vous travaillez.

Ceci n’est destiné à personne d’autre qu’à vous-même.

Quelle est votre activité de design préférée ? Des logos ? Des infographies ? Démarrez votre propre projet.

Souvent, lorsque vous travaillez sur un projet ennuyeux ou frustrant, vous pouvez rester motivé si vous avez un autre design sur lequel travailler lorsque vous avez besoin d'une pause.

Et lorsque vous aurez terminé ce projet, démarrez-en un nouveau.

Vous devez toujours avoir un projet intéressant et engageant – c’est ainsi que vous continuez à développer vos compétences créatives et c’est ainsi que vous continuez à apprendre.

Et qui sait? Certains éléments peuvent être bien transférés au projet client actuel.

Le design implique une pensée créative, un « œil » pour l’esthétique, la ligne, la couleur et la texture, ainsi qu’une pratique constante.

Les idées peuvent être traitées et retravaillées de plusieurs manières.

Plus vous faites cela en tant que jeunes designers, plus vous développerez votre propre « voix » dans le monde du design, et cette voix sera unique.

Avez-vous remarqué qu’en faisant ce que vous aimez, vous ne sentez pas le temps passer ? Tout se développe tout seul, des idées et des idées surgissent soudainement - et les gens appellent généralement cet état inspiration. Au fil des années de pratique, tout professionnel développe probablement ses propres techniques et méthodes de gestion. Le conservateur de l’École de design d’intérieur de l’École supérieure d’économie de l’Université nationale de recherche a partagé ses conseils.

Rien ne vient du vide

Il est important de regarder le plus possible : visitez des expositions, ajoutez les sites que vous aimez dans vos favoris.

Il est donc important de regarder le plus possible : visitez des expositions, ajoutez les sites que vous aimez dans vos favoris. Le moyen le plus pratique de le faire est d'utiliser la ressource Pinterest : ici, vous pouvez créer des tableaux thématiques. Peut-être que l'idée que vous aimez n'est pas utile maintenant, mais à l'avenir, elle pourra jouer un rôle clé dans la formation du concept.

Sur quoi se concentrer ?

Du meilleur. Il se trouve que la plupart des grands designers travaillent à l'étranger et Internet permet de suivre leurs projets presque à la vitesse de l'éclair. La presse écrite publie régulièrement des intérieurs qui méritent votre attention.

Chaque publication majeure dispose également d'une version en ligne et d'éditions dans d'autres pays, par exemple en France, en Allemagne, en Espagne et en Italie - assurez-vous également de les étudier. Les rédactions d’un même magazine peuvent différer radicalement selon les pays et les mentalités, et il peut être très intéressant de constater ces différences.

Tout doit être propice au travail

Créez-vous un environnement dans lequel vous êtes aussi à l'aise que possible pour travailler. L'inspiration peut être très capricieuse : parfois même un petit facteur irritant peut l'effrayer. Par conséquent, le nombre de ces facteurs doit être minimisé : rangez régulièrement votre lieu de travail et gardez tous les éléments nécessaires à portée de main.

Créez-vous un environnement dans lequel vous êtes aussi à l'aise que possible pour travailler.

L'heure que vous choisissez pour travailler est également importante : si possible, mieux vaut choisir une heure où peu de personnes peuvent vous déranger, par exemple le soir.

N'oubliez pas de changer

Il arrive que vous heurtiez un mur invisible qui ne vous permet pas d'avancer. Les pensées ne sont pas rassemblées et les solutions aux problèmes ne sont pas trouvées, et en plus, vous êtes constamment distrait par les réseaux sociaux. Tout cela parle de fatigue banale.

Selon les psychologues, cela peut être évité si vous passez à 15 minutes toutes les heures et demie. Levez-vous de votre chaise, préparez-vous du thé, versez de l'eau ou détournez simplement votre attention. Essayez de vous éloigner autant que possible du travail et de ne pas penser aux tâches que vous avez résolues auparavant.

Redémarrez le week-end. Si vous êtes assis toute la journée devant un ordinateur, la meilleure option serait une promenade dans le parc ; Si vous pratiquez une activité mentale, inscrivez-vous dans une salle de sport.

Tout a déjà été inventé ?

Étudier l'histoire : lire les ouvrages d'architectes, consulter les biographies des designers. Cela vous permettra de regarder les tendances actuelles à l'échelle historique, d'avoir une vue d'ensemble, de comprendre la nature des mécanismes qui mettent notre sphère en mouvement.

» est l'un des premiers magasins à avoir commencé à travailler avec des designers russes. En cinq années d'existence, environ 300 marques sont passées par le multimarque. Ils ont tous commis les mêmes erreurs. La créatrice du magasin, Maria Potudina, nous a expliqué quelles sont ces erreurs et comment les éviter.

« Être entrepreneur dans l’industrie de la mode russe n’est pas facile. On peut confectionner des robes en un seul exemplaire, on peut coudre une centaine de robes, mais ce n’est toujours rien à l’échelle nationale. Vous resterez néanmoins dans la micro-strate des entreprises locales sans soutien gouvernemental - les designers doivent percer de front ce marché. Je sais très bien ce qu'ils voient dans les magasins de tissus, ce que leur disent les fabricants habitués à coudre, au mieux, des vêtements pour serveurs. Lorsque les designers apportent quelque chose d’enveloppant ou d’asymétrique, ils sont naturellement considérés comme des extraterrestres.

Par conséquent, pour survivre, dès la première collection, il est important de ne pas commettre d'erreurs clés qui pourraient grandement entraver le développement de la marque à l'avenir.

1. N'investissez pas tout votre argent dans votre première collection.

Le créateur doit penser 2-3 collections à l'avance. Au moment de la sortie du premier, il ne dispose pas encore d'analyses, il arrive donc souvent que seuls 2-3 modèles « tirent ». Lorsqu’un créateur investit tout dans la première collection, les bénéfices ne suffisent pas à réaliser la suivante.

S’il ne trouve pas rapidement un investisseur, il lui reste le reste, qu’il emmène de magasin en magasin, essayant de leur trouver un logement. En fait, plus rien de cette collection n'est demandé, même s'il est de grande qualité. Dans notre pays, il est important d'observer la saisonnalité. Tout retard peut devenir critique.

Par exemple, un créateur a publié une collection - elle contient des imperméables, des robes et des hauts. Tous les imperméables ont été vendus à l'automne, les robes et les hauts se sont avérés non réclamés et traînent depuis un an comme poids mort. Ils n'offrent pas la possibilité de produire les modèles qui seront demandés en fonction de la saisonnalité. Les gens viennent, demandent un créateur en particulier, se rendent compte qu'il n'y a pas de collection saisonnière, s'énervent et choisissent autre chose. Ça y est, le client est perdu.

Il vaut mieux économiser environ cinquante pour cent du budget de départ pour la deuxième collection. Il est plus correct de réduire la première collection à 6 à 8 modèles dans lesquels le créateur aura confiance. Je suis sûr que la production les coudrea correctement et que le tissu s'adaptera. Il est également nécessaire de prévoir un budget pour les frais de publicité.

Il vaut mieux réduire le nombre de modèles, pas la diffusion. Sinon, une situation peut survenir lorsque tous les magasins reçoivent trois pièces d'un même modèle, quelque part elles sont épuisées, et il n'y a pas de temps pour transporter les marchandises d'un magasin à l'autre. En conséquence, une chose était vendue partout, aucune statistique normale ne pouvait être collectée et aucune analyse ne pouvait être effectuée. Il est préférable de se concentrer et de choisir un magasin où va votre public.

2. Ne lésinez pas sur le tournage

La deuxième erreur est d'impliquer dans le tournage des non-professionnels, le plus souvent des amis. La collection la plus cool peut être gâchée par de mauvaises photographies. Il existe de nombreux studios photo à petit budget, photographes et modèles professionnels qui ne se penchent ni en avant ni en arrière dans leurs photos. Désormais, cela ne coûte plus des sommes exorbitantes - le marché des services photographiques s'est formé.

L’option idéale est d’avoir à la fois un lookbook et un catalogue. Si vous choisissez quoi dépenser de l’argent, je vous conseillerais d’investir dans un catalogue. Il y a beaucoup moins d’exigences pour la photographie créative. On peut toujours dire que c'est la vision du créateur : la boutique est libre de ne pas publier le lookbook sur son site internet et sur ses réseaux sociaux. En ce qui concerne le catalogue, les magasins ont beaucoup plus souvent besoin de photographies de catalogue de haute qualité, avec une bonne lumière et un cadre bien structuré.

La version classique ressemble à ceci : « Notre héroïne est une jeune résidente d’une grande ville qui adore aller au cinéma et aux cafés, elle a 25-40 ans, c’est une femme d’affaires prospère avec un revenu stable et élevé. » La fille décrite dans la phrase précédente ira s'acheter Chanel.

Il est également important d’envoyer vos images à temps. Si nous recevons immédiatement l'intégralité du package du créateur - catalogue, lookbook, description des pièces, collections - alors tout cela est instantanément publié sur tous les réseaux sociaux. En trois semaines, un designer peut déjà obtenir des résultats sous forme de ventes et de reconnaissance. Si deux semaines après la livraison, il envoie la première photo, puis une semaine plus tard la seconde, l'effet est complètement différent.

3. Affinez votre public cible

La troisième erreur courante consiste à ne pas comprendre votre public cible, à définir vos clients comme « prospères, jeunes, riches » et à utiliser d'autres clichés similaires. La version classique ressemble à ceci : « Notre héroïne est une jeune résidente d’une grande ville qui adore aller au cinéma et aux cafés, elle a entre 25 et 40 ans, c’est une femme d’affaires prospère avec un revenu stable et élevé. » La fille décrite dans la phrase précédente ira s'acheter Chanel.

« Écrire un scénario » existe : plusieurs personnages qui correspondent aux critères de votre public cible sont décrits jusqu'à la couleur de leurs cils. Vous devez comprendre exactement ce que cette personne commande dans son café préféré, de quel genre de café il s'agit, ce qu'elle lit, ce qu'elle vit et ce qu'elle respire. Cela vous aide à mieux visualiser vos clients.

Les marchés sont un bon outil pour étudier le public cible. La communication avec les vendeurs est également utile. Dans tous les magasins où vos produits sont vendus, vous devez discuter avec les représentants du commerce de détail : quels modèles ne vous conviennent pas, pourquoi exactement les clients viennent-ils, que disent-ils en les essayant, pourquoi refusent-ils d'acheter, quelles couleurs ils veulent voir.

Plus vous collectez d’avis positifs et négatifs, plus vous aurez d’informations pour constituer la prochaine collection. C’est le seul moyen de comprendre où se concentre votre audience et comment l’atteindre. Souvent, après une telle étude, il s'avère que la marque est recherchée par les femmes de 35 à 40 ans, et non par les filles de 20 à 25 ans. La réalité est bien souvent très éloignée de l’image idéale que se représente le designer.

4. Ne surévaluez pas les prix

Un jeune créateur ne peut pas gonfler les prix simplement parce qu'il s'agit de sa collection de fin d'études et qu'il y a dépensé tout son argent. Si vous êtes un nouveau designer, donnez-vous au moins un an pour devenir autonome. Meilleur exemple- Marque SH"U. Malgré les faibles marges et le faible bénéfice net, après 2-3 saisons, l'entreprise a atteint un niveau auquel cette petite marge s'est transformée en un énorme bénéfice. Les marges importantes et les petites quantités ne nous permettent pas d'avancer.

Quant au ratio d'articles chers et bon marché au sein d'une même collection, je recommande de suivre le principe « 20-60-20 ». 60 % des choses devraient être vendues à des prix moyens. S'il y a 12 modèles dans la collection et que le prix moyen d'un produit est de 7 000 roubles, alors 6 articles devraient coûter à peu près autant.

Certaines choses, environ 20 %, devraient être moins chères pour attirer ceux qui veulent trouver quelque chose d'intéressant à moindre coût. Pour eux, c'est une quête. Les 20 % restants peuvent être des modèles avant-gardistes et complexes, ils peuvent être plus chers et doivent montrer où va la marque. Plus de 20 % des modèles avant-gardistes de la collection sont à risque. En règle générale, les gens ne sont pas prêts à porter quelque chose d'inhabituel si le créateur leur est inconnu.

Idéalement, la collection devrait passer par plusieurs filtres : dans quelle mesure est-il réaliste de réaliser ce que j'ai dessiné, combien cela coûtera-t-il, se vendra-t-il, quels modèles devraient être produits en grande quantité, quels modèles devraient être utilisés pour faire « l'histoire ». »

5. Analysez toujours les ventes

Une autre erreur courante est le manque d’analyse des ventes. Après un an de fonctionnement de la marque, les créateurs disent souvent : « J'ai des millions d'idées, mais je ne sais pas lesquelles choisir. Alors que cette décision devrait être basée sur des chiffres.

Avant de commencer la prochaine collection, vous devez remonter toutes les statistiques de la collection précédente et analyser les ventes. Pourquoi, par exemple, 50 chemisiers se sont-ils vendus ? Avaient-ils un prix bas ? S'adaptaient-ils bien aux personnes minces ou rondes ou étaient-ils sortis en été lorsqu'il faisait chaud ? Le modèle doit-il être répété ?

60% de la base devrait migrer de collection en collection. Ces 60% seront votre assise financière et vous permettront de réaliser des capsules et collaborations supplémentaires. Si une robe chemise a été un succès dans la dernière collection, alors elle doit être répétée dans un tissu différent, dans une couleur différente, avec des accessoires différents.

La collecte d'analyses complètes prend généralement 2 à 3 saisons. Il faut le récupérer dès la toute première collection et ne pas démarrer les versions suivantes sans analyser les précédentes. Les décisions non basées sur des données quantitatives conduisent à une énorme quantité de restes qui sont vendus à perte ou donnés.

6. Formez un entrepreneur individuel, pas une SARL

L'entrepreneur individuel est la forme d'entrepreneuriat la moins chère. Un entrepreneur individuel pour plusieurs concepteurs est un moyen de réduire davantage les coûts d'un comptable et de documentation. Nous avons des exemples de réussite dans le magasin.

Si vous possédez une collection et que vous n'êtes pas sûr de continuer à développer votre activité, alors vous pouvez vous en passer. entité légale. Mais si vous souhaitez être vendu, disons, dans huit multimarques, vous devez alors enregistrer une personne morale. Sinon, vous devrez vous limiter aux petits magasins et circulations. Il y a toujours une majoration importante sur les produits de marques sans entité juridique. Il reçoit également moins d’attention, tout simplement parce qu’il est évident que le designer n’y prend pas encore au sérieux.

Vous pouvez apprendre comment un créateur peut lancer son entreprise avec compétence dans le cours « Fashion Lift ». Tout sur la création et le développement d’un projet de mode.