음악의 표현 수단: 태초에 리듬이 있었습니다. 음악 리듬의 종류(리듬 매트릭스) 음악 리듬의 종류와 기원

음악의 멜로디 구조는 주로 리듬에 따라 달라집니다. 우리가 좋아하는 노래의 비트에 맞춰 고개를 끄덕이거나 발로 강한 비트를 두드리고 싶을 때 기분이 좋은 것은 바로 이 지표 때문입니다. 동시에 음악의 리듬이 무엇인지 설명하기 어려울 수 있으며 이를 위해서는 최소한 초등 음악 교육과 같은 특별한 지식이 필요합니다. 그러나 목표와 바람을 설정하면 대중적인 개념과 상세한 정의를 사용하여 일반 대중에게 이 문제를 설명할 수 있습니다. 그 자체로 "리듬"이라는 단어는 음악에서만 사용되는 것이 아니라 삶에서 너무도 확고하게 자리잡은 광대한 개념이므로 당연한 것으로 간주됩니다.

성공적인 명상을 위해서는 리듬에 연결해야 하며 외부 세계와 공명하는 데 더 적합한 것을 선택하기만 하면 됩니다. 파도의 리듬을 더 좋아하는 사람도 있고 사람의 심장 박동을 좋아하는 사람도 있습니다. 리듬 자체는 조화를 이루는 데 매우 중요하며 음악은 이러한 목표를 달성하는 데 도움이 됩니다.

다양한 형태 리드미컬한 인물, 합계를 구성하는 리듬 패턴음악 작업. 이 리듬 패턴은 율.

리듬은 절대적인 시간 측정 단위에 연결되지 않고 음표의 상대적 지속 시간만 설정됩니다(이 음표는 그 음표보다 2배 더 길게 들리고 이 음표는 4배 더 짧습니다).

리듬, 미터 및 템포: 차이점

모눈 종이

율, 미터그리고 속도- 개념이 다릅니다.

미터는 박자 사이의 거리가 동일한 강박과 약박의 좌표 격자를 정의합니다. 가장 가는 선의 가장 작은 셀이 작업의 최소 지속 시간이고, 두꺼운 선이 박자를 나타내고, 두꺼운 선이 상대적으로 강한 박자이고, 가장 두꺼운 선이 강한 박자인 모눈종이로 상상할 수 있습니다.

이 그리드의 선을 따라 길이가 다른 세그먼트(길이가 다른 음표)에서 리드미컬한 모양을 그릴 수 있습니다. 그림은 완전히 다를 수 있지만 모두 이 그리드의 선을 기반으로 합니다.

음표의 길이는 상대적인 단위(가장 작은 셀)로 설정할 수 있습니다. 이 사운드는 4셀 길이의 세그먼트이고 이 사운드는 2입니다. 이 비율은 그리드 스케일이 변경되어도 변경되지 않습니다. 이러한 세그먼트의 교대 순서는 다음과 같습니다. 율.

템포를 사용하여 이 그리드의 크기를 조정하여 선 사이의 거리를 더 길게 또는 더 짧게 만들 수 있습니다. "1셀 = 1초" 척도에서 2셀 길이의 음이 울리는 시간은 2초와 같습니다. 스케일이 2배 감소(템포 증가)하면 동일한 2개의 세그먼트에 있는 음표의 길이는 이미 1초가 됩니다.

위키미디어 재단. 2010.

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서적

• 음악. 1등급. 2부 파트 1. 교과서. 율. GEF, Aleev Vitaly Vladimirovich, Kichak Tatyana Nikolaevna. 교과서는 교육 기관 1 학년 학생들을 대상으로합니다. 그는 4년제 초등학교에서 음악 과정을 시작합니다. 올해의 주요 주제는 "음악, 음악은 우리를 위해 어디에나 있습니다.

시 예산 교육 기관

추가 교육 "LOKOSOVSKAYA 어린이 예술 학교"

(MBOU DO LOKOSOVSKAYA DSHI)

주제 이론에 대한 방법론적 연구:

"뮤지컬 리듬"

교사 작성: Altynshina G.R.

와 함께. 로코소보 2017

계획

1. 소개 3
2. 주요 부분 4

1. 음악에서 리듬의 특수성
2. 리듬 조직의 주요 역사적 시스템
3. 음악 리듬의 분류
4. 음악적 리듬의 수단과 예

1. 결론
2. 참고문헌 19

소개

리듬은 멜로디, 조화, 질감, 주제 및 음악 언어의 다른 모든 요소의 시간 및 악센트 측면입니다. 리듬은 음악 언어의 다른 중요한 요소와 달리 하모니, 멜로디는 음악뿐만 아니라시, 춤과 같은 다른 유형의 예술에도 속합니다. 어떤 음악이 동시적 통일성에 있었습니까? 독립적인 예술 형식으로 존재합니다. 시와 춤, 음악에 있어서 리듬은 그것들의 일반적인 특징 중 하나이다.

임시 예술로서의 음악은 리듬 없이는 상상할 수 없습니다. 리듬을 통해 그녀는 시와 춤과의 관계를 정의합니다.

리듬은 시와 안무의 음악적 시작입니다. 리듬의 역할은 서로 다른 국가 문화, 서로 다른 시대 및 수백 년 된 음악 역사의 개별 스타일에서 동일하지 않습니다.

음악에서 리듬의 특수성.

리듬은 음악뿐만 아니라 시와 춤과 같은 다른 예술에도 속합니다. 음악은 리듬 없이는 상상할 수 없습니다. 리듬은 시와 안무의 음악적 시작입니다. 리듬의 역할은 다른 국가 문화에서 동일하지 않습니다. 예를 들어 아프리카와 라틴 아메리카의 문화에서는 리듬이 우선이고 러시아 여운에서는 직접적인 표현력이 순수한 멜로의 표현력에 흡수됩니다.

음악의 리듬은 억양의 활용, 하모니, 음색, 질감 구성 요소의 비율, 동기-주제 구문의 논리, 형태의 움직임 및 건축학에서 표현되는 고유한 특성을 가지고 있습니다. 따라서 음악적 리듬은 멜로디, 화음, 질감, 주제 및 음악 언어의 모든 다른 요소의 시간 및 강세 측면으로 정의할 수 있습니다.

리듬 범주와 시간 범주 사이의 상관관계는 음악에서의 실제적인 역할과 이론적 해석 모두에서 서로 다른 역사적 시대에서 동일하지 않았습니다. 고대 그리스 미터법에서 미터의 개념은 일반화되었고 리듬은 특정 순간, 즉 arsis("다리 올리기")와 논문("다리 내리기")의 비율로 이해되었습니다. 많은 고대 동양의 가르침도 미터를 최전선에 두었습니다. 유럽 ​​음악 시계 시스템의 교리에서 미터 현상에도 많은 관심을 기울였습니다. 리듬은 좁은 의미에서 여러 소리의 비율, 즉 리듬 패턴으로 이해되었습니다. 템포 스케일은 17세기에 성숙한 시계 시스템이 형성되는 동안 현재의 형태를 갖추게 되었습니다. 그 전에는 이동 속도의 지표가 작업 섹션 전체의 주요 기간 값을 나타내는 "비율"이었습니다.

20세기에 이르러 리듬과 박자 범주의 관계는 촉 체계와 비촉 형식의 음악적 리듬의 강력한 변형으로 인해 변화되었다. 박자의 개념은 이전의 불가해성을 상실했고, 리듬의 범주는 보다 일반적이고 광범위한 현상으로 대두되었다. Agogic 순간은 리드미컬한 구성의 영역으로 끌어들여지고 음악 형식의 건축학으로 퍼졌습니다. 이로 인해 전체 시간 매개변수를 음악적 리듬 이론의 새로운 측면으로 정리하는 문제는 20세기의 창조적 실천과 관련이 있음이 밝혀졌다.

서로 다른 시대의 음악 특성을 감안할 때 음악적 리듬과 박자의 이중 정의(광폭과 협폭)를 고수해야 합니다. 넓은 의미에서 리듬의 의미는 위에서 언급되었습니다. 좁은 의미의 리듬은 리듬 패턴입니다. 넓은 의미의 미터는 일종의 상응하는 척도에 기반한 음악 리듬 구성의 한 형태이며 좁은 의미에서는 리듬의 특정 미터법 시스템입니다. 중요한 미터법 시스템에는 고대 그리스 미터법과 현대의 택트 시스템이 포함됩니다.

운율에 대한 이러한 이해를 통해 운율과 촉의 개념은 동일하지 않은 것으로 판명됩니다. 고대 메트릭에서 셀은 측정값이 아니라 정지점입니다. 이 측정법은 17-20세기 유럽 전문 음악의 미터법에 속합니다. 측정은 많은 시스템의 리듬을 캡처할 수 있습니다. 막대 구조는 현재 일반적으로 허용되는 표기법과 연결되어 있기 때문에 음표 읽기의 편의를 위해 역사적 시대의 음악을 시계 표기법으로 번역하는 것이 일반적입니다. 동시에, 원래가 아닌 유형의 리듬 조직을 구별하고 바라인의 기능을 올바르게 이해하여 실제 미터법 역할과 조건부 분리 역할을 구별하는 것이 중요합니다.

리듬 조직의 기본 역사적 시스템.

유럽의 리듬에서는 음악의 리듬 역사와 이론에 대해 동등하지 않은 중요성을 지닌 여러 조직 시스템이 개발되었습니다. 다음은 리듬의 세 가지 주요 운문 체계입니다.

1. 정량성(구시대적 의미의 측정성)
2. 정성(문학적 의미의 정확성)
3. 음절 (음절).

음악과 시의 경계는 중세 후기 선법(모달리듬)의 체계이다. 실제로 음악 시스템은 월경적(mensural)이고 택토메트릭(tactometric)적이며, 최신 형태리듬 구성은 진행과 시리즈로 나눌 수 있습니다.

양적 시스템(정량적, 미터법)은 음악-단어-춤의 동시적 통합 기간 동안 고대 음악에 중요했습니다. 리듬은 가장 작은 측정 단위인 크로노스 프로토스(기본 시간) 또는 모라(갭)를 가졌습니다. 더 큰 기간은 이 가장 작은 기간으로 구성되었습니다. 고대 그리스의 리듬 이론에는 다섯 가지 길이가 있었습니다.

크로노스 프로토스, 브라케아 모노세모스,

마크라 디모스,

마크라 트리세모스,

매크로 테트라세모스,

마크라 펜타세모스.

양의 체계를 형성하는 성질은 강세와 무관하게 장단의 비율에 따라 리듬의 차이가 생긴다는 점이다. 경도 음절의 주요 비율은 두 배였습니다. 긴 음절과 짧은 음절로 구성된 발은 ​​시간의 관점에서 정확했고 약하게 변형되었습니다.

음악 역사의 후속 기간에 양적 효과는 리듬 모드의 형성, 고대 발의 종류를 리듬 패턴으로 보존하는 데 반영되었습니다. 정량성은 뉴에이지 음악을 위한 시의 운율화 원칙 중 하나가 되었습니다. 19세기 초 러시아 음악 문화에서 주목의 대상은 러시아어에 장단음절이 존재한다는 생각이었다. 세기 중반부터 러시아 문학의 강장제 원리에 대한 아이디어가 강해졌습니다.

질적 시스템은 전적으로 운문, 언어입니다. 길다-짧지 않고 강하다-약하다의 원칙에 따라 리듬의 차이를 담고 있다. 질적 유형의 발은 그들과 비교하고 그들의 도움을 받아 다양한 종류의 음악 리듬 형성을 결정하는 편리한 모델이 되었습니다. 소비에트 음악 학자 V. A. Tsukkerman은 바 패턴 유형을 체계화하고 표현 의미도 결정했습니다. 그러나 촉과 발은 서로 다른 리듬 구성 시스템에 속하기 때문에 마디 리듬 모양과 발 공식 사이에는 유추만 유효합니다.

음절 체계(음절)도 운문 체계입니다. 음절 수의 평등에 따라 음절 수를 기반으로 합니다. 따라서 그 주요 의미는 성악 작품에서 구절의 리듬 기반이 되는 것입니다. 음절 체계도 음악적 굴절을 받았습니다. 결국 음절 수와 마찬가지로 소리 수의 평등은 리듬 구조의 기초가 될 수 있는 임시 조직을 형성합니다. 이 리듬 형식은 20세기, 특히 1950년 이후의 작곡 기법에서 발견되는 리듬 형식입니다(예: A. Schnittke의 클라리넷, 바이올린, 더블 베이스, 타악기 및 피아노를 위한 "세레나데"의 첫 번째 부분).

12-13세기에 노트르담과 몽펠리에 학교에서 운영된 모달 리듬 또는 리듬 모드 시스템. 필수 리듬 공식 세트였습니다. 모든 작가와 시인-작곡가는 이 시스템을 고수했습니다.

6가지 리듬 모드의 일반 시스템:

1차 모드

두 번째 모드

세 번째 모드

네 번째 모드

다섯 번째 모드

여섯 번째 모드

모든 모드는 서로 다른 리드미컬한 필링으로 6개의 비트로 통합되었습니다. 모달 리듬의 셀은 ordo(행, 순서)였습니다. 단일 ordos는 반복되지 않는 발 또는 monopodia와 유사하고 이중 ordos는 이중 발, dipodia, triple tripodia 등과 유사합니다.

첫 번째 모드:

단일 오르도

더블 오르도

트리플 오르도

쿼터 오르도

모드는 고대의 발처럼 특정 기풍을 부여받았습니다. 첫 번째 모드는 생동감, 생동감, 경쾌한 분위기를 표현했습니다. 두 번째 모드는 슬픔, 슬픔의 분위기입니다. 세 번째 모드는 이전 두 가지의 기풍 특성인 활력과 우울함을 결합했습니다. 네 번째는 세 번째의 변형이었습니다. 다섯 번째는 엄숙한 성격을 가졌습니다. 여섯 번째는 리드미컬하게 더 독립적인 목소리에 대한 "꽃 같은 대위법"이었습니다.

월경 시스템은 음표 길이의 시스템입니다. 그것은 다 성음의 발달, 음성의 리듬 비율을 조정해야 할 필요성으로 인해 발생했습니다. 대위법의 교리가 나타나기 전에 다 성음 이론의 역할을했습니다.

월경 리듬은 어느 정도 모달 원리와 관련이 있습니다. 규제 조치는 6달러였습니다. 동시에 그리고 순차적으로 비교되는 그의 이분법 및 삼분법 그룹화는 후기 중세 르네상스 리듬 시대의 전형적인 공식이었습니다.

13~16세기에 월경 제도가 발달했는데 그 특징은 기간을 2등분과 3등분으로 균등하게 나누는 것이었다. 신학적 사상에서 그녀는 삼위일체 하나님, 믿음, 소망, 사랑의 세 가지 미덕과 타악기, 현악기, 관악기의 세 종류의 악기에 답했습니다. 따라서 3으로 나누는 것은 현대적인(완벽한) 것으로 간주되었습니다. 둘로 나누는 것은 음악 연습 자체에 의해 제시되었고 점차 음악에서 큰 자리를 차지했습니다.

주요 생리 기간의 체계:

맥시마(듀플렉스 롱가)

론가

브레베

세미브레비스

최소값

후자

세미미니마

세미푸자

삼분법과 이분법 구분을 구분하기 위해 언어적 표기(완결, 불완전, 장조, 단조)와 그래픽 기호(원, 반원, 점이 있거나 없음)가 사용되었습니다.

특징적인 월경 리듬 중에는 순서대로 동시에 사용된 다음과 같은 헥스의 변형이 있습니다.

6박자를 3박자와 2박자로 묶는 것은 월경계의 리듬 비율과 헤미올라 또는 세스키알테라의 특징적인 비율의 이중성을 반영합니다.

tactometric 또는 시계 시스템은 음악의 리듬 구성 시스템 중 가장 중요합니다. "tactuc"이라는 이름은 원래 지휘자의 손이나 발의 눈에 보이거나 들리는 타격을 나타내며 콘솔을 만지고 위-아래 또는 아래-위의 이중 움직임을 가정했습니다.

비트는 한 비트에서 다른 비트로의 음악적 시간의 한 부분으로, 비트 라인에 의해 비트로 제한되고 비트로 균등하게 나뉩니다: 간단한 비트에서는 2-3, 복잡한 비트에서는 4,6,9,12, 5,7, 11 등 라. - 혼합.

박자는 시간 간격의 균일한 교대, 소절 박자의 균일한 순서, 스트레스를 받는 박과 스트레스를 받지 않는 박 사이의 차이를 기반으로 하는 리듬의 구성입니다.

강한 비트와 약한 비트의 차이는 하모니, 멜로디, 질감 등 음악적 수단에 의해 만들어집니다. 시간을 세는 획일적인 체계인 운율은 화성적 선변, 리듬 및 조직적 패턴을 포함한 프레이징, 조음 및 동기 구조와 끊임없이 충돌하며 이러한 모순은 17-20세기 음악의 표준입니다.

Tactometric 시스템에는 17-19 세기의 엄격한 고전 미터와 20 세기의 무료 미터의 두 가지 주요 종류가 있습니다. 엄격한 미터에서는 비트가 변경되지 않지만 자유 미터에서는 가변적입니다.

두 가지 종류와 함께 고정된 택트 라인이 없는 택트메트릭 시스템인 또 다른 택트 형태가 있었습니다. 그것은 러시아 칸트와 바로크 합창 협주곡에 내재되어 있습니다. 동시에 개별 보컬 파트를 녹음할 때 키에 박자를 표시하고 마디 라인을 설정하지 않았습니다. 막대선은 종종 미터법 악센트 기능을 수행하지 않고 구분 기호일 뿐입니다. 이것이 초기 시계 형태로서 이 시스템의 특징이었습니다.

20세기의 전술 이론은 "불균등한 전술"이라는 개념이라는 색다른 다양성으로 가득 차 있었습니다. 민요와 춤의 샘플이 비트로 녹음되기 시작한 불가리아에서 왔습니다. 부등 박자는 한 박자가 다른 박자보다 1.5배 더 길고 점이 있는 음표(절뚝거리는 리듬)로 기록됩니다.

무료 시계 미터와 함께 15세기에 새로운 비-바 형태의 리듬 조직이 등장했습니다. 최신 형식에는 리드미컬한 진행과 시리즈가 포함됩니다.

음악 리듬의 분류.

리듬 분류의 세 가지 주요 원칙은 1) 리듬 비율, 2) 규칙성 - 불규칙성, 3) 악센트 - 비악센트입니다. 동적 또는 정적 리듬과 같은 특정 장르 및 스타일 조건에 중요한 추가 원칙이 있습니다.

리듬 비율의 교리는 고대 그리스 음악 이론에서 발전했습니다. a) 1:1과 같음, b) 2배 1:2, c) 1.5배 2:3, d) 에피라이트의 비율 3:4, e) 도크뮴의 비율 3:5. 이름은 발의 이름에 따라, 발의 구성 요소 사이의 arsis와 thesis 사이의 관계에 따라 주어졌습니다.

월경 체계는 완벽(3으로 나누기)과 불완전(2로 나누기)의 개념에서 출발했습니다. 상호 작용의 결과는 1.5 비율이었습니다. 월경 체계는 본질적으로 기간의 비율에 대한 교리였습니다. 형성 초기부터 시계 시스템에서 이진성의 원칙이 확립되었으며, 이는 지속 시간 비율로 확장되었습니다. 전체는 2/4, 1/2은 2/4 등입니다. 기간 비율의 이진성은 측정 구조로 확장되지 않았습니다. 보편적 원리에 반하여 지배적 이진성에 대한 균형으로 발전한 세쌍둥이, quintoli, novemoli는 "특수 유형의 리드미컬 분할"이라고 불 렸습니다.

19세기와 20세기로 접어들면서 기간을 3으로 나누어 기간을 2로 대체하는 것이 너무 널리 퍼져서 순수한 이진법이 힘을 잃기 시작했습니다. A. Scriabin, S. Rakhmaninov, N. Medtner의 음악에서 세 쌍둥이는 이러한 작곡가의 스타일과 관련하여 두 가지 기본 비율의 지속 시간에 대해 말할 수 있게 된 매우 두드러진 위치를 차지했습니다. 비슷한 리듬의 발달이 서유럽 음악에서도 일어났다.

1950년 이후 새로운 음악에는 다음과 같은 특징이 나타났다. 첫째, 모든 기간은 2,3,4,5,6,7,8,9 등으로 임의의 부분으로 나누기 시작했습니다. 둘째, 리드미컬한 일련의 소리를 따라가는 데 가속도 또는 랄렌탄도 기법을 사용하기 때문에 슬라이딩 - 무한 분할이 나타납니다. 셋째, 시간적 단위의 전능성은 시간적 양의 정확한 지정이 없는 상태에서 고정되지 않은 지속 시간을 가진 리듬으로 반대 방향으로 바뀌었습니다.

규칙성 - 불규칙성으로 모든 종류의 리듬 수단을 대칭의 품질(비대칭, "협화음" - "불협화음")에 따라 나눌 수 있습니다.

고대 그리스 리듬, 월경 리듬, 중세 동양 리듬의 일부 유형, 20세기 전문 음악의 대부분의 리듬 스타일은 불규칙 리듬 유형에 속합니다. 엄격한 클래식 시계 미터 인 모달 시스템은 규칙적인 리듬 유형에 속합니다.

문체 유형의 리듬의 정의로서 "규칙성"또는 "불규칙성"은 규칙성 또는 불규칙성 현상 만 100 % 존재한다는 의미는 아닙니다. 모든 음악에는 규칙적이고 불규칙한 성격의 리드미컬한 구성이 있으며, 그 사이에는 활발한 상호 작용이 있습니다.

"accent" - "non-accent"의 개념은 장르와 스타일의 차이에 대한 기준입니다. 음악에서 "악센트"와 "비악센트"는 리듬의 장르적 뿌리인 보컬-보이스 및 댄스-모터를 드러냅니다. 따라서 그레고리 안 노래의 리듬, znamenny 성가의 리듬, znamenny fit 멜로디, 일부 유형의 러시아 인출 노래- "악센트 없음", 민속 춤의 리듬과 전문 음악에서의 굴절, 비엔나 클래식 스타일의 리듬 - "악센트".

악센트 리듬의 예는 N. Rimsky-Korsakov의 Scheherazade 3부 주제입니다.

분류의 추가 원칙은 동적 및 정적 리듬의 반대입니다. 정적 리듬의 개념은 1960년대 유럽 작곡가들의 작업과 관련하여 발생합니다. 정적인 리듬은 특수한 특수한 질감과 드라마투르기의 조건에서 나타난다. 텍스처는 수십 개의 오케스트라 파트에 동시에 번호가 매겨진 슈퍼 폴리포니이며 드라마 투르기는 형식 이동 과정의 미묘한 변화입니다("정적 드라마 투르기").

정적인 리듬은 시간 이정표가 질감 덩어리에서 어떤 식으로든 구별되지 않는다는 사실 때문에 발생합니다. 이정표가 없기 때문에 시간도 템포도 생기지 않고, 역동적인 움직임이 드러나지 않은 채 소리가 공중에 떠 있는 듯하다. 미터법 및 템포 단위에 의한 맥박의 소멸은 리듬의 정적을 의미합니다.

음악적 리듬의 수단과 예.

리듬의 가장 기본적인 수단은 길이와 악센트입니다.

성악에서는 멜로디의 소리 길이에 따라 텍스트의 각 음절에 부여되는 또 다른 유형의 길이가 발생합니다. Folklorists는 이것을 "음절"이라고 부릅니다.

악센트는 음악 리듬의 필수 요소입니다. 그 본질은 억양, 멜로디, 리듬 패턴, 질감, 음색, 고뇌, 구두 텍스트, 시끄러운 역학 등 음악 언어의 모든 요소와 수단에 의해 생성된다는 사실에 있습니다. "악센트"라는 단어는 "ad cantus"- "노래하다"에서 유래했습니다. 노래와 서스테인으로서 악센트의 원래 특성은 18세기 말에 베토벤과 같은 역동적인 음악 스타일에서 나타납니다.

리듬 패턴은 단어의 좁은 의미에서 리듬의 의미가 확인된 연속적인 일련의 소리 지속 시간의 비율입니다. 모티브의 구조, 주제의 구조, 폴리포니의 구조, 전체 음악 형식의 전개를 분석할 때 항상 고려된다. 일부 리듬 패턴은 음악의 국가적 특성에 따라 이름이 지정되었습니다. 급격한 실신과 함께 점선 리듬이 특히 주목을 받았습니다. 17세기와 18세기 이탈리아 음악에 유행했기 때문에 롬바르드 리듬이라고 불렸습니다. 그것은 스코틀랜드 음악의 특징이기도 하여 스카치 스냅으로 지정되었고, 헝가리 민속학의 동일한 리듬 패턴의 특성으로 인해 때때로 헝가리 리듬이라고 불렸습니다.

리듬 공식은 지속 시간의 비율과 함께 악센트가 반드시 고려되는 전체적인 리듬 형성으로 리듬 구조의 억양 특성이 더 완전히 드러납니다. 리듬 공식은 상대적으로 짧고 주변 형성과 구분됩니다. 리듬 공식은 고대 메트릭, 중세 모드, 러시아 Znamenny 리듬, 동부 우술, 20세기의 새로운 비바 리듬 형식과 같은 다양한 비-바 리듬 시스템에 특히 중요합니다. 시계 시스템에서 리듬 공식은 댄스 장르에서 활동적이고 일정하지만 상징적-화상적, 국가적 특성 등을 위해 별도의 형태로 다른 종류의 음악으로 형성됩니다.

음악에서 가장 안정적인 리듬 공식으로 발이 있습니다-고대 그리스어, 모달. 고대 그리스 예술에서 미터법 피트는 리듬 공식의 주요 기금을 구성했습니다. 리듬 패턴은 다양하며 긴 음절은 짧은 음절로 분할될 수 있고 짧은 음절은 더 큰 지속 시간으로 결합될 수 있습니다. 리듬 공식은 타악기 재배와 함께 동양 음악에서 특히 중요합니다. 작품에서 주제적 역할을 하는 북의 리듬 공식을 우술이라고 하는데 종종 우술의 이름과 작품 전체가 같은 것으로 밝혀진다.

마주르카, 폴로네즈, 왈츠, 볼레로, 가보트, 폴카, 타란텔라 등 유럽 춤의 주요 리듬 공식은 잘 알려져 있지만 리듬 패턴의 편차는 매우 큽니다.

유럽의 전문 음악에서 발전한 상징적이고 독창적인 리듬 공식 중에는 음악적 및 수사적 인물이 있습니다. 멈춤 그룹이 갖는 리드미컬한 표현입니다: suspiratio - 한숨, abruptio - 중단, 줄임표 - 건너뛰기 등. 감마와 같은 선과 결합된 빠른 균일한 16분의 1의 리듬 공식 유형은 티라트(신장, 타격, 샷)의 형태를 가집니다.

유럽 ​​전문 음악의 국가적 특징적인 리듬 공식의 예는 19세기 러시아 음악에서 발전한 턴이라고 할 수 있습니다. 그들의 본질은 춤이 아니라 언어와 언어입니다.

개별 리듬 공식의 중요성은 20세기에 다시 증가했으며 정확히 비-바 형식의 음악 리듬 개발과 관련하여 증가했습니다. 리듬 진행은 또한 20세기의 50-70년대에 특히 널리 퍼진 비바 공식 형성이 되었습니다. 구조적으로 다음과 같이 두 가지 유형으로 나뉩니다.

1) 소리 수의 진행.

2) 기간의 진행.

첫 번째 유형은 항상 반복되는 단위로 구성되어 있기 때문에 더 간단합니다. 두 번째 유형은 실제 소리에 상응하는 박자와 지속 시간의 주기성이 없기 때문에 리드미컬하게 훨씬 더 복잡합니다. 동일한 시간 단위(수학의 산술 수열)만큼 지속적으로 증가 또는 감소하는 가장 엄격한 기간 진행을 "반음계"라고 합니다.

모노리듬과 폴리리듬은 폴리포니와 관련하여 발생하는 기본 개념입니다. 모노리듬 - 완전한 정체성, 음성의 "리듬적 일치", 폴리리듬 - 둘 이상의 서로 다른 리듬 패턴의 동시 조합. 넓은 의미의 폴리 리듬은 좁은 의미에서 서로 일치하지 않는 리듬 패턴의 결합을 의미합니다. 실제 소리에서 모든 음성에 상응하는 가장 작은 시간 단위가 없을 때 세로 방향의 리듬 패턴 조합입니다.

비트와 동기의 일치와 모순은 비트 리듬에 필요한 개념입니다.

조치와 동기의 조정은 동기의 모든 요소와 조치의 내부 "배치"가 일치하는 것입니다. 리드미컬한 인토네이션의 균일성, 시간적 흐름의 차원이 특징입니다.

조치와 동기의 모순은 조치의 구조와 동기의 측면, 요소의 불일치입니다.

측정의 미터법 기준에서 미터법 기준이 아닌 순간으로 강조가 이동하는 것을 실신이라고 합니다. 리듬 패턴과 소절 사이의 모순은 한 종류 또는 다른 실신으로 이어집니다. 뮤지컬 작품에서 모티브와 전술의 모순은 가장 다양한 굴절을 받는다.

상위 측정은 2개, 3개, 4개, 5개 또는 그 이상의 간단한 측정 단위를 그룹화한 것으로 해당 비트 수를 가진 단일 측정 단위처럼 미터법으로 작동합니다. 상위 비트는 일반적인 비트와 완전히 유사하지 않습니다. 그는 다르다 다음 기능: 1. 고차원의 소절은 음악 형식 전체에 걸쳐 가변적입니다. 소절의 확장 또는 축소, 비트의 삽입 및 건너뛰기가 있습니다.

소절의 첫 번째 비트의 강조는 보편적인 기준이 아니므로 첫 번째 비트는 단순한 소절에서처럼 "강하고" "무겁지" 않습니다. "큰 소절"의 메트릭 "계정"은 첫 번째 소절의 강한 비트에서 시작하고 초기 소절은 상위 첫 번째 비트의 기능을 얻습니다. 가장 높은 순서의 가장 일반적인 미터는 2개 및 4개의 로브, 덜 자주 3개의 로브, 그리고 더 드물게 5개의 로브입니다. 경우에 따라 고차원 메트릭 리플이 두 수준에서 발생한 다음 복잡한 고차원 측정값이 추가됩니다. 예를 들어 "Waltz Fantasy"에서 M.I. Glinka의 주요 테마는 복잡한 "큰 척도"입니다.

고차 척도는 일반 척도(Stravinsky, Messiaen) 크기의 체계적 가변성으로 인해 미터법 기능을 잃어 통사적 그룹으로 변합니다.

폴리메트리는 동시에 2~3미터의 조합입니다. 그것은 음성의 미터법 악센트의 모순이 특징입니다. 폴리메트리의 구성 요소는 고정 및 가변 미터가 있는 음성일 수 있습니다. 폴리메트리의 가장 두드러진 표현은 형식이나 섹션 전체에서 유지되는 다양한 상수 미터의 폴리포니입니다. 예를 들어 모차르트의 오페라 Don Giovanni에서 3/4, 2/4, 3/8 미터의 세 춤의 대위법이 있습니다.

Polychrony - 시간 단위가 다른 음성 조합(예: 한 음성의 1/4, 다른 음성의 1/2). 다성에는 다시적 모방, 다시적 정경, 다시적 대위법이 있습니다. 다시적 모방 또는 확대 또는 축소의 모방은 다성음의 가장 널리 퍼진 방법 중 하나이며 이러한 유형의 쓰기 역사에서 여러 단계에 필수적입니다. 다시간 정경은 월경 기호를 사용하는 작곡가들이 다양한 박자 측정에서 다양한 프로포스타를 사용하는 네덜란드 학교에서 특별한 발전을 이루었습니다. 리듬 단위의 동일하지 않은 비율의 조건 하에서 다시적 대위법도 발생합니다. 그것은 cantus firmus의 다성음에 내재되어 있으며, 후자는 나머지 성부보다 더 오래 지속되며 그들과 관련하여 대조되는 시간 계획을 형성합니다. 대조-시간 다성음악은 초기 다성음악에서 바로크 말기에 이르기까지 음악 전반에 걸쳐 널리 퍼져 있었으며, 특히 노틀담파의 오르가눔, G.Machot과 F.Vitry의 등리듬적 모테트, J.S.Bach의 합창에서 특징적이었다. 준비.

Polytempo는 리드미컬하게 대조되는 레이어가 다른 템포로 진행되는 것으로 인식될 때 polychrony의 특수 효과입니다. 템포 대조의 효과는 바흐의 합창 편곡에 존재하며 현대 음악의 저자들도 그것에 의존합니다.

리듬 쉐이핑

음악 형성에서 리듬의 참여는 유럽과 동양 문화, 다른 비유럽 문화, "순수한" 음악, 단어와 합성된 음악, 크고 작은 형태에서 동일하지 않습니다. 리듬이 전면에 등장하는 민속 아프리카 및 라틴 아메리카 문화는 형성 및 타악기 음악에서 리듬의 우선 순위로 구별됩니다. 예를 들어 오스티나토로 반복되거나 포용적인 리듬 공식으로서의 우술은 고대 터키의 고전인 중앙아시아에서 조형의 기능을 완전히 수행한다. 유럽 ​​음악에서 리듬은 음악이 단어와 합성되는 중세 및 르네상스 장르에서 형성하는 열쇠입니다. 고유한 음악 언어가 발전하고 더 복잡해짐에 따라 형식에 대한 리듬의 영향이 약해지고 다른 요소에 우선권이 주어집니다.

음악적 언어의 일반적 복합성에서 리듬적 수단 자체가 변태를 겪는다. "화성 시대"의 음악에서는 가장 작은 형식인 기간만이 리듬의 우위에 종속되는 것으로 밝혀졌습니다. 큰 고전 형식에서 조직의 기본 원칙은 조화와 주제입니다.

형식의 리드미컬한 구성의 가장 간단한 방법은 오스티나토(ostinato)입니다. 그녀는 고대 그리스의 발과 기둥, 동부의 우술, 인도의 탈, 중세의 모달 스톱과 오르도스에서 형태를 만들어내고, 어떤 경우에는 시계 시스템에서 동일하거나 동일한 유형의 모티프로 형태를 강화합니다. 폴리포니에서 오스티나토의 주목할 만한 형태는 폴리오스티나토입니다. 오리엔탈 폴리오스티나토의 잘 알려진 장르는 거의 전적으로 타악기로 구성된 오케스트라인 인도네시아 가믈란을 위한 음악입니다.

유럽 ​​심포니 오케스트라의 조건에서 가믈란 원리의 굴절에 대한 흥미로운 경험은 A. Berg에서 볼 수 있습니다 (P. Altenberg의 가사에 대한 다섯 곡 소개).

리듬의 오스티나토 구성의 특이한 종류는 isorhythm(그리스어-동등)입니다. 리듬의 핵심 공식의 반복을 기반으로 하는 음악 작품의 구조는 선율적으로 업데이트됩니다. 등리듬 기법은 14-15세기 프랑스 모테트, 특히 Machaut와 Vitry에 내재되어 있습니다. 반복되는 리듬 코어는 "talea"라는 용어, 반복되는 피치 멜로디 섹션 - "color"로 표시됩니다. Talea는 테너에 배치되며 작업 중에 두 번 이상 전달됩니다.

클래식 미터의 형성 작용은 한 곡의 음악에 다중 포괄합니다. 운율의 복합적 조형기능은 화음의 전개와 밀접하게 관련되어 수행된다. 고전화성에서 중요한 조형 경향은 소절의 강한 박자에 따른 화성의 변화이다.

고전적 운율과 고전적 화성 사이의 관계에서 가장 중요한 결과는 고전 형식의 기본 세포인 8마디의 운율 주기의 구성입니다. "미터법 주기"는 최적의 클래식 버전의 테마이기도 합니다. 주제는 동기와 문구로 구성됩니다. "Metric period-eight-tact"도 발달된 문장과 일치할 수 있습니다.

"메트릭 기간"에는 다음과 같은 구성이 있습니다. 8개의 측정값 각각은 형성 기능을 획득하며 짝수 측정값에 더 많은 기능적 가중치가 부여됩니다. 셀 수 없는 소절의 기능은 동기 구 구성의 시작과 같이 누구에게나 같은 방식으로 정의할 수 있습니다. 두 번째 소절의 기능은 상대적인 어구 완성이고, 네 번째 소절의 기능은 문장의 완성이며, 여섯 번째 소절의 기능은 종언을 향하는 성향이며, 여덟 번째 소절의 기능은 완성의 성취입니다. 마지막 케이던스. "메트릭 기간"에는 엄격한 8개 측정값만 포함될 수 있습니다. 첫째, 고차 사이클의 존재로 인해 하나의 "메트릭 사이클"이 2, 3, 4 사이클 그룹으로 실현될 수 있습니다. 둘째, 일반 마침표나 문장에는 문장의 확장, 추가, 반복 또는 반문과 같은 구조적 복잡성이 포함될 수 있습니다. 구조가 정사각형이 아닙니다. 이러한 경우 메트릭 함수가 중복됩니다.

고전적인 유형의 음악에서 리듬 형성의 일반적인 모델에 대해 말할 수 있습니다. 리듬 스타일이 규칙적인 리듬 유형에 속하는지 불규칙한 리듬 유형에 속하는지, 그리고 형태의 규모(소형 또는 대형)에 따라 다릅니다.

규칙적인 요소가 지배하고 불규칙적인 요소가 종속되는 규칙적인 리듬의 유형에서 규칙적인 리듬의 수단은 매력과 조형의 중심이 된다. 그들은 형식에서 주요 위치를 차지합니다. 그들은 설명, 형식의 iqts, 종지, 개발 결과에서 우세합니다. 불규칙한 리듬의 수단은 하위 섹션에서 활성화됩니다. 중간 순간, 전환, 연결, 술어, 프리 케이던스 구성. 규칙성의 전형적인 수단은 비트의 불변성, 비트와 동기의 조정, 직각도입니다. 불규칙성을 통해-측정의 설명 변동성, 측정과 동기의 모순, 직각이 아님. 결과적으로 규칙적인 리듬 유형의 조건 하에서 리듬 형성의 두 가지 주요 모델이 형성됩니다. 첫 번째 모델은 동적 상승-하강 파동의 원리에 해당합니다. 두 모델 모두 작은 형태와 큰 형태(주기에서 주기로)로 볼 수 있습니다. 두 번째 모델은 여러 가지 작은 형식(특히 고전적인 스케르초)의 구성에서 볼 수 있습니다.

불규칙한 리듬의 종류는 형식의 척도에 따라 리듬 전개의 모델을 구분한다. 작은 형태의 수준에서 규칙적인 리듬의 첫 번째 체계와 유사한 더 일반적인 모델이 작동합니다. 주기의 일부, 주기, 발레 공연과 같은 큰 형태의 수준에서 때로는 모델이 반대 결과로 나타납니다. 덜 불규칙한 것에서 가장 큰 것까지.

택트 시스템에서 불규칙한 유형의 리듬 조건에서는 필수 메트릭 이동이 발생합니다. 일반적으로 키에 설정되는 원래의 주요 유형의 미터(크기)는 "제목" 미터 또는 크기라고 할 수 있습니다. 구성 내에서 발생하는 새로운 박자 기호로의 일시적인 전환을 미터법 편차(조화의 편차와 유추하여)라고 할 수 있습니다. 형식의 끝 또는 일부와 일치하는 새로운 미터 또는 크기로의 최종 전환을 메트릭 변조라고 합니다.

XX 세기의 50 년대부터 시작된 음악은 새로운 예술적 아이디어, 새로운 형태의 창의성과 함께 작업의 리드미컬 한 구성의 새로운 수단을 만들었습니다. 그 중 가장 대표적인 것이 진행과 리듬 계열이다. 20세기 50~60년대 유럽음악을 중심으로 활발히 사용되었다.

리듬 진행은 소리의 길이나 수를 규칙적으로 늘리거나 줄이는 원리에 기반한 리듬 공식입니다. 간헐적으로 나타날 수 있습니다.

리듬 시리즈(Rhythmic series) - 반복되지 않는 지속 시간의 시퀀스로, 작업에서 반복적으로 수행되고 구성 기반 중 하나 역할을 합니다.

1950년대, 1960년대, 1970년대 초반의 유럽 음악에서 곡의 리듬적 계획은 때때로 주제만큼이나 개별적이었습니다. 리듬이 음악 작품의 주요 조형 요소일 때 상황은 중요해진다. 20세기의 음악적 창조성의 관점에서 볼 때, 역사적으로 확립된 음악 리듬 이론 전체가 중요한 관심사입니다.

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(그리스어 rytmos, from reo - current) - 시간에 따른 모든 프로세스 흐름의 인식된 형태. 분해에서 R.의 다양한 표현. 예술의 유형과 스타일(시간적뿐만 아니라 공간적), 예술 외부. 구체 (말, 걷기, 노동 과정 등의 R.)는 R.에 대해 종종 모순되는 많은 정의를 불러 일으켰습니다 (이 단어의 용어 명확성을 박탈 함). 그 중에서 느슨하게 구분된 세 그룹을 식별할 수 있습니다.
가장 넓은 의미에서 R.은 기본 세 가지(멜로디 및 하모니와 함께) 중 하나인 인식된 프로세스의 시간적 구조입니다. 시간과 관련하여 배포되는 음악 요소 (P. I. Tchaikovsky에 따르면) 멜로디. 고조파. 조합. R. 악센트, 일시 중지, 세그먼트로 나누기(개별 소리까지 다양한 수준의 리듬 단위), 그룹화, 지속 시간 비율 등을 형성합니다. 좁은 의미에서-높이에서 추상화 된 일련의 소리 지속 시간 (멜로디와 달리 리듬 패턴).
이 기술적인 접근 방식은 리듬을 비리듬적 움직임과 리드미컬한 움직임을 구별하는 특별한 특성으로 리듬을 이해하는 것과 반대됩니다. 이 품질은 정반대의 정의가 제공됩니다. 망. 연구자들은 R.을 규칙적인 교대 또는 반복과 이에 따른 비례로 이해한다. 이러한 관점에서 가장 순수한 형태의 R.은 진자의 반복적인 진동 또는 메트로놈의 박자입니다. 미적인 R.의 가치는 예를 들어 지각을 촉진하고 근육 운동의 자동화에 기여하는 주문 행동과 "주의의 경제"로 설명됩니다. 걸을 때. 음악에서 R.에 대한 이러한 이해는 균일한 템포 또는 비트 뮤즈로 식별됩니다. 미터.
그러나 R.의 역할이 특히 큰 음악 (시에서와 같이)에서는 종종 미터와 반대되며 올바른 반복이 아니라 "생명감", 에너지 등을 설명하기 어려운 것과 관련이 있습니다. "리듬은 주요 힘 , 구절의 주요 에너지입니다. 설명 할 수 없습니다 "- V. V. Mayakovsky). E. Kurt에 따르면 R.의 본질은 "전진, 그에 내재 된 움직임, 지속적인 힘"입니다. 공통성(합리성)과 안정적인 반복(정적)을 기반으로 하는 R.의 정의와 달리 여기서는 감성과 역동성이 강조됩니다. 미터 없이도 나타날 수 있고 미터법으로 올바른 형태로 존재하지 않는 R.의 특성.
다이나믹에 찬성 R.에 대한 이해는 Heraclitus가 자신의 주를 표현한 동사 "flow"에서이 단어의 기원을 말합니다. 위치: "모든 것이 흐릅니다." Heraclitus는 당연히 "세계 R의 철학자"라고 불릴 수 있습니다. 그리고 "세계 조화의 철학자" 피타고라스에 반대합니다. 두 철학자 모두 두 가지 기본 개념을 사용하여 세계관을 표현합니다. 골동품 부품 음악 이론이지만 피타고라스는 음높이의 안정적인 비율에 대한 교리와 Heraclitus-시간에 따른 음악 형성 이론, 그의 철학 및 안티 치로 향합니다. 리듬은 서로를 설명할 수 있습니다. 기본 시간을 초월한 구조와 R.의 차이점은 고유성입니다. "동일한 흐름에 두 번 들어갈 수 없습니다." 그러나 "세계 R"에서. Heraclitus는 "way up"과 "way down"을 번갈아 가며 "ano"와 "kato"라는 이름이 antich라는 용어와 일치합니다. 리듬의 두 부분을 나타내는 리듬. 단위(더 자주 "arsis" 및 "thesis"라고 함), 기간 형식 R. 또는 이 단위의 "logos" 비율(Heraclitus에서 "world R."은 "world Logos"와 동일함). 따라서 헤라클레이토스의 철학은 역학의 종합으로 가는 길을 가리킨다. 일반적으로 고대에 우세한 합리적인 것에 대한 R.의 이해.
감정적(동적) 관점과 합리적(정적) 관점은 실제로 배제하는 것이 아니라 서로를 보완합니다. "리듬"은 일반적으로 재생하려는 욕구로 표현되는 일종의 공명, 움직임에 대한 공감을 유발하는 움직임을 인식합니다 (리듬 경험은 근육 감각 및 외부 감각과 직접 관련이 있습니다. 내부 재생과 함께). 이를 위해서는 한편으로는 움직임이 무질서하지 않고, 반복될 수 있는 특정 인식 구조를 가지며, 다른 한편으로는 반복이 기계적이지 않아야 합니다. R.은 정확한 추와 같은 반복으로 사라지는 감정적 긴장과 결의의 변화로 경험됩니다. 따라서 R.에서는 정적이 결합됩니다. 그리고 역동적입니다. 기호이지만 리듬의 기준은 감정적으로 남아 있으므로 의미가 있습니다. 주관적으로 리드미컬한 움직임과 혼란스럽고 기계적인 움직임을 구분하는 경계는 엄격하게 설정될 수 없으므로 합법적이고 서술적입니다. 기본 접근 방식. 연설(구문과 산문)과 음악에 대한 특정 연구. 아르 자형.
긴장과 해결의 교대(오름차순 및 내림차순 단계)는 리드미컬함을 제공합니다. 정기 간행물의 구조. 특정의 반복으로 만 이해해서는 안되는 성격. 단계의 순서(음향학에서의 기간 개념 비교 등)뿐만 아니라 반복을 발생시키는 "둥근 정도"와 반복 없이 리듬을 인식할 수 있게 해주는 완전성으로도 나타납니다. 이 두 번째 기능은 리듬 수준이 높을수록 더욱 중요합니다. 단위. 음악에서는 (예술적 연설에서와 마찬가지로) 기간을 호출합니다. 완전한 생각을 표현하는 구성. 마침표는 반복되거나(커플릿 형식으로) 더 큰 형식의 통합 부분이 될 수 있습니다. 동시에 그것은 가장 작은 교육을 나타내며 컷은 독립적일 수 있습니다. 일하다.
리듬. 인상은 긴장의 변화 (오름차순 단계, arsis, tie) 해상도 (내림차순 단계, 논문, denouement) 및 caesuras에 의한 분할 또는 부분으로의 일시 중지 (자체 arsis 및 논문 포함)로 인해 구성 전체에 의해 생성 될 수 있습니다. . 구성적인 것과는 대조적으로 더 작고 직접적으로 인지되는 조음은 일반적으로 적절한 리듬이라고 합니다. 직접 인식되는 것의 한계를 설정하는 것은 거의 불가능하지만 음악에서 우리는 뮤즈 내의 프레이즈 및 조음 단위를 R에 기인할 수 있습니다. 의미론적(구문론적)뿐만 아니라 생리학적으로도 결정되는 기간과 문장. 그러한 생리학적 조건과 크기가 비슷합니다. 호흡 및 맥박과 같은 주기성, to-rye는 두 가지 유형의 리듬의 원형입니다. 구조. 맥박에 비해 호흡은 기계적인 것과는 거리가 멀고 덜 자동화되어 있습니다. 반복 및 R.의 감정적 기원에 더 가까운 기간은 명확하게 인식되는 구조를 가지고 명확하게 묘사되지만 크기는 일반적으로 약에 해당합니다. 맥박의 4박자는 이 표준에서 쉽게 벗어납니다. 호흡은 말과 음악의 기초입니다. 문구, 메인의 가치를 결정합니다. 구문 단위 - 열(음악에서는 종종 "구문"이라고도 하며 예를 들어 A. Reich, M. Lussy, A.F. Lvov, "리듬"이라고도 함), 일시 중지 및 본성을 생성합니다. 멜로디 형식. 케이던스 (문자 그대로 "떨어지는"-리듬 단위의 하강 단계), 호기가 끝날 때까지 목소리가 낮아지기 때문입니다. 멜로디의 교대에서 승진과 강등은 "무료, 비대칭 R"의 본질입니다. (Lvov) 일정한 값 없이 리드미컬합니다. 단위, 많은 특징. 민속 형식 (원시에서 시작하여 러시아 드로우 링 노래로 끝남), 그레고리오 성가, znamenny 성가 등. 이 멜로디 또는 억양 리듬 (멜로디의 모달 측면이 아닌 선형이 중요함) 덕분에 균일 해집니다. 신체 움직임 (춤, 놀이, 노동)과 관련된 노래에서 특히 분명한 맥동 주기성을 추가했습니다. 기간의 형식과 구분보다 반복성이 우세합니다. 기간의 끝은 새로운 기간을 시작하는 충동입니다. 일시 중지로 대체할 수 있습니다. 맥동 주기성은 걷기, 자동화된 노동 운동의 특징이며, 말과 음악에서 스트레스 사이의 간격 크기인 템포를 결정합니다. 기본 리듬 억양의 맥동에 의한 분할. 호흡 유형의 단위는 모터 원리의 증가에 의해 생성된 동일한 몫으로 지각하는 동안 모터 반응을 향상시켜 리드미컬합니다. 경험. 따라서 이미 민속의 초기 단계에서 느린 유형의 노래는 더 리드미컬 한 노래를 생성하는 "빠른"노래와 반대됩니다. 인상. 따라서 이미 고대에 리듬과 멜로디("남성"과 "여성" 원칙)의 대립이 발생했고, 춤은 리듬의 순수한 표현으로 인식되었으며(아리스토텔레스, 시학, 1), 음악에서는 타악기와 뽑아 낸 악기. 현대의 리듬. 성격은 또한 preim에 기인합니다. 행진과 춤 음악과 R.의 개념은 호흡보다 맥박과 더 자주 관련됩니다. 그러나 맥동 주기성에 대한 일방적인 강조는 기계적 균일한 박자로 긴장과 해결의 교대 반복 및 대체(따라서 주요 리듬 순간을 나타내는 "arsis" 및 "thesis"라는 용어에 대한 수세기 동안의 오해와 스트레스로 둘 중 하나를 식별하려는 시도). 많은 타격은 R로 인식됩니다. 그룹화의 차이점으로 인해 가장 간단한 형태는 쌍으로 그룹화되어 널리 퍼진 "사각형"R을 생성합니다.
시간에 대한 주관적인 평가는 맥박(정상 맥박의 시간 간격, 0.5-1초에 가까운 값과 관련하여 가장 큰 정확도를 달성함)을 기반으로 하므로 내장된 양적(시간 측정) 리듬 클래식을받은 기간의 비율. 고대의 표현. 그러나 그것의 결정적인 역할은 근육 활동의 특징이 아닌 생리적 기능에 의해 수행됩니다. 트렌드, 미학. 요구 사항, 여기서 비례는 고정 관념이 아니라 예술입니다. 정경. 양적 리듬에 대한 춤의 중요성은 그 모터 때문이 아니라 리듬을 위한 시각으로 향하는 조형적 특성 때문입니다. 정신 생리학으로 인한 지각. 이유는 움직임의 단절, 그림의 변화, 일정 시간 지속이 필요합니다. 앤티크가 딱 이랬다. 춤, R. to-rogo (Aristides Quintilian의 증언에 따르면)는 춤의 변화로 구성되었습니다. 포즈("다이어그램")는 "기호" 또는 "점"으로 구분됩니다(그리스어 "세메욘"에는 두 가지 의미가 모두 있음). 양적 리듬의 비트는 충동이 아니라 크기가 비슷한 세그먼트의 경계이며 시간이 분할됩니다. 여기서 시간에 대한 인식은 공간에 접근하고 R.의 개념은 대칭으로 접근합니다(비례와 조화로서의 R.의 아이디어는 고대 리듬을 기반으로 합니다). 임시 값의 평등은 크림과 함께 다른 "R 종류"가있는 비례의 특별한 경우가됩니다. (리듬 단위의 2 부분 비율-arsis와 thesis)-1:2, 2:3 등 춤을 다른 신체 움직임과 구별하는 지속 시간의 비율을 미리 결정하는 공식에 종속되는 것도 뮤지컬- 댄스와 직접 관련이없는 장르의 구절 (예 : 서사시). 경도 음절의 차이로 인해 운문 텍스트는 R.(미터)의 "측정" 역할을 할 수 있지만 일련의 긴 음절과 짧은 음절로만 사용할 수 있습니다. 실제로 구절의 R.("흐름"), 당나귀와 논문으로의 구분 및 그들에 의해 결정된 강조(언어적 강세와 관련되지 않음)는 뮤지컬과 춤에 속합니다. 동시성 소송의 측면. 리드미컬한 단계(발, 절, 스탠자 등)의 불평등은 평등, 반복 및 직각이 건축 비율을 연상시키는 매우 복잡한 구성에 영향을 미치는 것보다 더 자주 발생합니다.
동시주의 시대의 특징이지만 이미 민속학 및 교수. art-va Quantitative R.은 골동품 외에도 많은 동부 음악에 존재합니다. 중세 시대의 국가 (인도, 아랍 등). 월경 음악뿐만 아니라 다른 많은 민속 음악에서도 마찬가지입니다. 교수의 영향을받을 수있는 사람들. 그리고 개인적인 창의성(음유시인, 아슈그, 트루바두르 등). 춤. 현대 음악은 12월로 구성된 많은 양적 공식을 이 민속에 빚지고 있습니다. 특정 순서의 지속 시간, 반복(또는 특정 제한 내에서의 변형) to-rykh는 특정 댄스를 특징짓습니다. 그러나 현대를 지배하는 택트 리듬의 경우 왈츠와 같은 춤은 부분으로 구분되지 않는 것이 더 특징적입니다. "포즈" 및 특정 기간의 해당 시간 세그먼트.
17세기의 시계 리듬. 월경을 완전히 대체하는 R의 세 번째 (인토럴 및 양적) 유형에 속합니다. - 악센트,시와 음악이 서로 (및 춤에서) 분리되고 각각 고유 한 리듬을 개발하는 단계의 특징. 시와 음악의 공통점. R.은 둘 다 시간 측정이 아니라 강세 비율에 기반한다는 것입니다. 특히 음악. 강한 (무거운) 스트레스와 약한 (가벼운) 스트레스의 교대로 형성된 시계 미터는 연속성 (구절로 구분되지 않음, 운율 표현)에 의해 모든 운문 미터 (동시 음악 음성 및 순수 음성 미터 모두)와 다릅니다. 소절은 지속적인 반주와 같습니다. 악센트 시스템(음절, 음절 및 강장)의 미터링과 마찬가지로 막대 미터는 양적 미터보다 열악하고 단조롭고 리듬에 훨씬 더 많은 기회를 제공합니다. 변화하는 주제가 만들어내는 다양성. 구문. 구조. 악센트 리듬에서 전면에 오는 측정 성 (미터에 대한 순종)이 아니라 R.의 역동적이고 정서적 인 측면, 그의 자유와 다양성이 정확성보다 중요합니다. 미터와 달리 R. 자체는 일반적으로 메트릭에 의해 규제되지 않는 시간 구조의 구성 요소라고합니다. 계획. 음악에서 이것은 소절의 그룹화입니다(베토벤의 "R. from 3 소절", "R. from 4 소절", Duke의 The Sorcerer's Apprentice 등의 "rythme ternaire" 표시 참조). 줄로 나누는 것을 규정하지 않으며, 이 점에서 음악은 운문보다 산문에 더 가깝습니다.) 비트 분해를 채웁니다. 음 지속 시간 - 리드미컬합니다. 그리기, 크롬에게. 그리고 러시아어 기본 이론 교과서(X. Riemann 및 G. Konus의 영향을 받음)는 R의 개념을 축소합니다. 따라서 R.과 미터는 때때로 지속 시간과 강조의 집합으로 대조되지만 분해 악센트 배열은 리드미컬하게 동일하다고 간주할 수 없습니다. R.이 규정 된 체계의 실제로 인식 된 구조로만 미터에 반대하는 것이 가능하므로 시계와 일치하고 모순되는 실제 강조는 R을 참조합니다. 악센트 리듬의 지속 시간 비율은 독립성을 잃습니다. 의미를 부여하고 강조 수단 중 하나가 됩니다. 짧은 소리에 비해 긴 소리가 두드러집니다. 정상 위치더 긴 지속 시간 - 소절의 강한 박자에서 이 규칙을 위반하면 실신의 인상이 생깁니다(이는 이로부터 파생된 마주르카와 같은 양적 리듬 및 댄스 공식의 특징이 아님). 동시에 리듬을 형성하는 양의 음악적 지정. 그림은 실제 지속 시간이 아니라 음악의 to-rye 측정 단위를 나타냅니다. 성능은 가장 넓은 범위에서 늘어나고 압축됩니다. 아고직스의 가능성은 실시간 관계가 리듬감을 표현하는 수단 중 하나일 뿐이라는 사실에 기인한다. 실제 지속 시간이 노트에 표시된 것과 일치하지 않더라도 인식할 수 있는 그림입니다. 비트 리듬에서 규칙적으로 균일한 템포는 의무 사항이 아닐 뿐만 아니라 오히려 피해야 합니다. 일반적으로 이에 접근하면 클래식에서 가장 두드러지는 운동 경향(행진, 춤)을 나타냅니다. 스타일; 낭만적인 반대로 스타일은 극도의 템포 자유가 특징입니다.
Motority는 또한 사각형 구조에서 나타납니다. "정확성"은 Riemann과 그의 추종자들이 그 안에서 뮤즈를 볼 이유를 제공했습니다. 운문 미터와 같이 기간을 모티프와 구로 구분하는 미터. 그러나 정신 생리학으로 인해 발생하는 정확성 트렌드를 따르지 않고 특정 사항을 준수합니다. 규칙, 미터라고 부를 수 없습니다. 소절 리듬에서 프레이즈를 나누는 규칙이 없으므로 (직각도의 유무에 관계없이) 미터법에 적용되지 않습니다. 리만의 용어는 그에게도 일반적으로 받아들여지지 않는다. 음악학(예를 들어, 베토벤의 교향곡을 분석하는 F. Weingartner는 리만 학파가 미터법 구조로 정의한 리듬 구조를 호출함)는 영국과 프랑스에서 받아들여지지 않습니다. E. Prout는 R.를 "악보에 카덴차가 배치되는 순서"라고 부릅니다("Musical Form", Moscow, 1900, p. 41). M. Lussy는 미터법(시계) 악센트를 리드미컬한 구문 단위와 대조하며 기본 구문 단위(Lussy의 용어로 "리듬", 그는 완전한 생각, 마침표를 "구"라고 함)에는 일반적으로 두 가지가 있습니다. 리듬감이 중요하다 미터법과 달리 단위는 하나의 채널에 종속되어 형성되지 않습니다. 스트레스, 그러나 기능이 다르지만 기능이 다른 악센트의 활용에 의해 (미터는 필수 위치는 아니지만 정상을 나타냅니다. 따라서 가장 일반적인 문구는 두 박자입니다). 이러한 기능은 기본으로 식별할 수 있습니다. 모든 R.에 내재 된 순간 - arsis and thesis.
뮤즈. 운문과 마찬가지로 R.은 시맨틱(주제, 통사론) 구조와 운율의 상호 작용에 의해 형성되며, 이는 악센트 운문 시스템뿐만 아니라 시계 리듬에서도 보조적인 역할을 합니다.
(절 미터와 달리) 구두점(휴지)이 아닌 강조만 조절하는 시계 미터의 역동적이고 분절적이며 분해하지 않는 기능은 리듬(실제)과 미터법 사이의 충돌에 반영됩니다. 의미론적 휴지기와 무겁고 가벼운 미터법의 연속적인 교대 사이의 강조. 순간.
시계 리듬의 역사에서 17 - 초기. 20 세기 세 가지 주요 사항을 구분할 수 있습니다. 연대. J. S. Bach와 G. f. Handel의 바로크 시대는 DOS를 확립합니다. 호모포닉 하모닉과 관련된 새로운 리듬의 원리. 생각. 시대의 시작은 일반 저음 또는 연속 저음(basso continuo)의 발명으로 표시되며, 이는 일반적으로 미터법에 해당하는 변경 사항인 휴지기로 연결되지 않은 일련의 하모니를 구현합니다. 강조하지만 그것에서 벗어날 수 있습니다. "운동 에너지"가 "리듬"(E. Kurt)보다 우세하거나 "R. 테마"가 "시계 R"보다 우세한 Melodica. (A. Schweitzer)는 특히 암송에서 악센트와 템포의 자유가 특징입니다. 템포 자유는 J. Frescobaldi가 이미 쓴 템포 루바토("훔친 템포 "), 반주에 대한 멜로디의 변화로 이해됩니다. F. Couperin의 mesurй와 같은 표시에서 알 수 있듯이 엄격한 템포는 예외가 됩니다. 악보와 실제 기간 간의 정확한 일치 위반은 전체에서 표현됩니다. 연장점에 대한 이해: 문맥에 따라 다름

의미할 수 있음

등,

음악 연속성. 패브릭이 생성됩니다(통주저음과 함께). 의미-다른 목소리의 케이던스 불일치 (예 : 바흐의 합창 편곡에서 스탠자 끝에서 동반 음성의 지속적인 움직임), 개별화 된 리듬의 해체. 균일한 움직임(일반적인 형태의 움직임)으로 한 머리로 그림을 그립니다. 라인 또는 보완적인 리듬으로 한 목소리의 멈춤을 다른 목소리의 움직임으로 채움

등), 동기를 연결함으로써, 예를 들어 바흐의 15번째 발명품에서 주제의 시작과 반대의 케이던스의 조합을 참조하십시오.

고전주의 시대는 리듬을 강조합니다. 밝은 악센트로 표현되는 에너지, 템포의 더 큰 균일성 및 미터의 역할 증가로 표현되지만 역동성만 강조합니다. 양적 미터와 구별되는 측정의 본질. 충격 충격의 이중성은 다음과 같은 사실에서도 나타납니다. 강한 시간소절은 음악의 일반적인 끝점입니다. 의미론적 통합과 동시에 새로운 조화, 질감 등의 도입으로 막대, 막대 그룹 및 구성의 초기 순간이 됩니다. 멜로디의 절단(b. 댄스곡 캐릭터의 일부)은 "이중 결합"과 "침입하는 카덴차"를 생성하는 반주에 의해 극복됩니다. 프레이즈와 모티프의 구조와는 달리 마디는 종종 템포, 다이내믹스(막대 라인에서 갑자기 f와 p), 아티큘레이션 그룹화(특히 리그)의 변화를 결정합니다. 지표를 강조하는 특성 SF. 예를 들어 Chromatic Fantasy 및 Fugue주기의 환상에서 Bach의 유사한 구절에서 맥동)이 완전히 가려집니다.

잘 정의된 시간 측정기는 일반적인 형태의 움직임을 생략할 수 있습니다. 고전 스타일은 리듬의 다양성과 풍부한 발전이 특징입니다. 그러나 수치는 항상 메트릭과 상관 관계가 있습니다. 지원합니다. 그들 사이의 소리의 수는 쉽게 감지되는 한계(보통 4개), 리드미컬한 변화를 초과하지 않습니다. 나눗셈(세쌍둥이, 다섯쌍둥이 등)은 강점을 강화합니다. 메트릭 활성화. 리드미컬도 없는 베토벤 교향곡 9번 피날레 섹션 중 하나의 시작 부분에서와 같이 실제 사운드에 이러한 지원이 없더라도 지원은 당김음에 의해 생성됩니다. 관성이지만 음악에 ​​대한 인식에는 내선이 필요합니다. 가상 메트릭 계산. 신문:

마디 강조는 종종 짝수 템포와 연관되지만 클래식 음악에서 이 두 가지 경향을 구별하는 것이 중요합니다. 리듬. W. A. ​​모차르트에서 평등에 대한 열망은 미터법입니다. 공유 (리듬을 양적 리듬으로 가져옴)는 동시에 Don Juan의 미뉴에트에서 가장 분명하게 나타났습니다. 다른 크기의 조합은 agogych를 제외합니다. 강한 시간을 강조. 베토벤에는 밑줄이 그어진 미터법이 있습니다. 강조는 agogics 및 메트릭 그라데이션에 더 많은 범위를 제공합니다. 스트레스는 종종 척도를 넘어 강하고 약한 척도의 규칙적인 교대를 형성합니다. 이와 관련하여 실신이 가능한 "고차원의 마디"와 같이 베토벤에서 사각 리듬의 역할이 증가합니다. 약한 마디에 악센트를 주지만 실제 마디와 달리 올바른 교대를 위반할 수 있으므로 확장 및 수축이 가능합니다.
낭만주의 시대(가장 넓은 의미에서)에서는 악센트 리듬과 양적 리듬(시간 관계 및 운율의 부차적 역할 포함)을 구별하는 특징이 가장 완벽하게 드러납니다. 국제 비트 분할은 ind의 지속 시간뿐만 아니라 작은 값에 도달합니다. 소리는 들리지만 그 수는 직접 인식되지 않습니다 (바람, 물 등의 지속적인 움직임을 음악 이미지로 만들 수 있음). 인트라로바 분할의 변화는 메트릭을 강조하지 않고 부드럽게 합니다. 비트: 듀올과 트리플릿의 조합(

)는 거의 오중주로 인식됩니다. 실신은 종종 낭만주의 사이에서 동일한 완화 역할을 합니다. 멜로디의 지연에 의해 형성되는 당김음(옛 의미에서 루바토로 기록됨)은 ch에서와 같이 매우 특징적입니다. 쇼팽 환상곡의 일부. 로맨틱에서 음악은 "큰" 삼중주, 오중주 및 기타 특별한 리듬의 경우에 나타납니다. 하나가 아니라 여러 개에 해당하는 부서. 미터법 주식. 메트릭 지우기 테두리는 바 라인을 자유롭게 통과하는 바인딩으로 그래픽으로 표현됩니다. 동기와 척도의 충돌에서 동기 악센트는 일반적으로 미터법 악센트보다 우세합니다(이는 I. 브람스의 "말하는 멜로디"에서 매우 일반적입니다). 클래식보다 더 자주 스타일에서 비트는 가상의 맥동으로 축소되며 일반적으로 베토벤보다 덜 활동적입니다(리스트의 파우스트 교향곡 시작 부분 참조). 맥동의 약화는 균일성을 위반할 가능성을 확대합니다. 로맨틱 연주는 최대 템포 자유도를 특징으로 하며, 지속 시간의 마디 비트는 바로 뒤따르는 두 비트의 합을 초과할 수 있습니다. 이와 같은 현실적 불일치는 길이와 악보가 Scriabin의 자체 연주에 표시됩니다. 찌르다. 노트에 템포 변경 표시가 없는 경우. 동시대 사람들에 따르면 A. N. Scriabin의 연주는 "리듬의 선명도"로 구별되었으므로 여기에서 리드미컬 한 음악의 악센트 특성이 완전히 드러납니다. 그림. 음표 표기는 기간을 나타내는 것이 아니라 기간과 함께 다른 방법으로 표현할 수 있는 "가중치"를 나타냅니다. 따라서 fn에 있을 때 역설적 철자(특히 Chopin에서 자주 발생)의 가능성이 있습니다. 한 소리의 표현은 두 개의 다른 음표로 표시됩니다. 예를 들어, 다른 성부의 소리가 "올바른" 철자와 함께 한 성부의 셋잇단음표의 1음과 3음에 떨어질 때

가능한 철자

박사 역설적인 철자의 종류는 변화하는 리듬이 있다는 사실에 있습니다. 뮤즈의 규칙에 반하여 동일한 수준의 무게감을 유지하기 위해 작곡가를 나누는 것. 철자, 음악적 가치를 변경하지 않음(R. Strauss, S. V. Rachmaninov):

R. 스트라우스. "돈환".
instr에서 측정 실패까지 미터의 역할이 떨어졌습니다. 암송, 케이던스 등은 음악적 의미 구조의 중요성이 증가하고 R.이 현대 음악, 특히 낭만적 인 음악의 특징 인 음악의 다른 요소에 종속되는 것과 관련이 있습니다. 언어.
특정의 가장 눈에 띄는 징후와 함께. 19세기 음악의 악센트 리듬의 특징. 민속에 대한 호소와 관련된 이전 유형의 리듬에 대한 관심을 감지할 수 있습니다(러시아 음악의 특징인 민요 억양 리듬의 사용, 스페인, 헝가리, 서부 슬라브어, 여러 동양 민족의 민속에 보존된 양적 공식). 20세기 리듬의 리뉴얼을 예고하는
M.G. 할랩.
18-19세기라면. 교수에서. 유럽 ​​음악. 오리엔테이션 R.은 20 세기에 하위 위치를 차지했습니다. 숫자로 의미합니다. 스타일을 정의하는 요소가 되었습니다. 20세기에 중요한 전체의 요소로서의 리듬은 그러한 리드미컬하게 울려 퍼지기 시작했습니다. 유럽 ​​역사의 현상. 음악, 중세로. 모드, isorhythm 14-15 세기. 고전주의와 낭만주의 시대의 음악에서 20세기의 리듬 형성에 능동적인 건설적 역할을 할 수 있는 리듬 구조는 단 하나뿐입니다. - Riemann에 의해 논리적으로 입증된 "정상적인 8 행정 주기". 그러나 음악 20세기 리듬 리듬과 확연히 다릅니다. 과거의 현상: 그것은 실제 뮤즈로서 구체적이다. 춤과 음악에 의존하지 않는 현상. 또는 시적인 음악. 아르 자형.; 그는 의미합니다. 측정은 불규칙성, 비대칭성의 원리를 기반으로 합니다. 새로운 기능 R. 20세기 음악에서. 리드미컬한 모습으로 조형적 역할을 드러낸다. 주제, 리드미컬 다음. 구조적 복잡성 측면에서 그는 화성, 멜로디에 접근하기 시작했습니다. R.의 복잡성과 요소로서의 무게 증가로 인해 저자가 이론적으로 부분적으로 고정한 문체 적으로 개별적인 것을 포함하여 여러 구성 시스템이 생겼습니다. 저.
뮤지컬 리더. R. 20세기 불규칙성의 원리는 박자 기호의 규범적 가변성, 혼합 크기, 동기와 비트 간의 모순, 리듬의 다양성에서 나타납니다. 그림, 비직각성, 리드미컬한 분할이 있는 폴리리듬. 여러 개의 작은 부분에 대한 단위, 다각도, 동기 및 구의 다시성. 불규칙한 리듬을 시스템으로 도입한 사람은 I.F. Stravinsky였으며 M.P. Mussorgsky, N. A. 민요와 러시아어 연설 자체. 20세기를 선도하는 문체 적으로 리듬의 해석은 18 세기와 19 세기 스타일의 특징 인 규칙 성 (택트의 불변성, 직각도, 다면적 규칙 성 등)을 통합 한 S. S. Prokofiev의 작업과 반대됩니다. 오스티나토로서의 규칙성, 다면적인 규칙성은 고전에서 나아가지 않는 K. 오르프에 의해 길러진다. 교수 전통이지만 고풍을 재창조한다는 아이디어에서. 선언의 춤. 풍경화 행동
Stravinsky의 비대칭 리듬 시스템(이론적으로는 저자가 공개하지 않음)은 시간 및 악센트 변주 방법과 2~3개 레이어의 동기 폴리메트리를 기반으로 합니다.
밝고 불규칙한 유형의 O. Messiaen의 리듬 시스템 ( "The Technique of My Musical Language"책에서 그에 의해 선언됨)은 측정의 근본적인 가변성과 혼합 측정의 비 주기적 공식을 기반으로합니다.
A. Schoenberg와 A. Berg, D. D. Shostakovich는 리드미컬합니다. 불규칙성은 "음악 산문"의 원칙, 비 직각도, 시계 변동성, "관통화", 폴리 리듬 (Novovenskaya 학교)의 방법으로 표현되었습니다. A. Webern의 경우 동기와 문구의 다 시성, 재치와 리듬의 상호 중립화가 특징이되었습니다. 이후 제작에서 강조와 관련하여 그림을 그립니다. -리듬. 대포.
숫자로 최신 스타일 2 층. 20 세기 리듬 형식 중에서 조직 눈에 띄는 장소는 리듬이 차지했습니다. 시리즈는 일반적으로 일련의 다른 매개변수, 주로 피치 매개변수(L. Nono, P. Boulez, K. Stockhausen, A. G. Schnittke, E. V. Denisov, A. A. Pyart 등의 경우)와 결합됩니다. 시계 시스템에서 벗어나 리드미컬한 분할의 자유로운 변주. 단위(2, 3, 4, 5, 6, 7 등)는 두 가지 반대 유형의 R 표기법으로 이어졌습니다. 초 단위 표기법과 고정 기간이 없는 표기법입니다. 슈퍼 폴리포니와 얼레토릭의 질감과 관련하여. 문자(예: D. Ligeti, V. Lutoslavsky)는 정적으로 나타납니다. R., 악센트 맥동과 템포의 확실성이 없습니다. 리듬. 최신 스타일 교수의 기능. 음악은 리듬과 근본적으로 다릅니다. 대량 노래, 가정 및 estr의 속성. 반대로 리드미컬한 20세기 음악 규칙 성과 강조, 시계 시스템은 모든 의미를 유지합니다.
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음악의 표현 수단: 리듬
태초에 리듬이 있었다

리듬에는 마법 같은 것이 있습니다.
그는 우리가 숭고한 것이 우리 것이라고 믿게 만듭니다..
J. W. 괴테

멜로디는 음악적 표현의 주요 수단 중 하나입니다. 아마도 가장 중요한 것입니다. 사실, Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov는 리듬이 가장 중요한 표현 수단이라고 믿었습니다. 그의 말에 동의하지 않을 수도 있지만 그가 옳다는 것을 증명하는 것은 매우 쉽습니다.

사람들은 말하는 속도를 높이거나 낮추면서 시간에 맞춰 단어를 발음합니다. 결국, 매우 정확하고 측정 적으로 말하는 사람을 상상하기는 어렵습니다. 그러한 연설은 듣는 사람을 빨리 지치게 할 것이며 말한 내용의 의미를 제대로 인식하지 못할 것입니다.

물론 당신은 음악에서 소리가 고르지 않게 지속된다는 것을 알아차렸습니다. 그들 중 일부는 짧고 다른 일부는 더 깁니다. 많은 분들이 부른 노래 "수탉, 수평아리, 황금 빗"을 기억합시다.

두 개의 짧은 소리가 하나의 긴 소리로 대체됩니다(긴 소리와 짧은 소리의 교대).

음악에서 항상 반복되는 길이의 교대를 리듬이라고 합니다. Academician Asafiev는 리듬을 음악 작품의 맥박이라고 불렀습니다. 이것은 매우 좋은 비교입니다.

리듬은 음악에 질서를 부여하고 소리를 시간에 따라, 즉 길이에 따라 구성하고 조정합니다. 즉, 리듬은 지속 시간에서 소리의 일관성입니다. 그들은 다를 수 있습니다. 리듬 변형의 수는 무한히 크며 여기의 모든 것은 작곡가의 상상력에 달려 있습니다. 일반적으로 리듬 없이는 어떤 멜로디도 불가능합니다. 아무리 완벽하고 단순한 멜로디라도 리듬 없이는 상상조차 할 수 없다.

리듬이 없다면 멜로디도 없고 높이가 다른 소리의 집합만 남을 것이다. 멜로디가 없는 리듬이 존재하지만. 동양의 많은 사람들은 타악기의 리듬에 따라서만 추는 춤을 춥니다.

리듬은 가장 강력한 표현 수단입니다. 음악의 성격은 주로 그것에 달려 있습니다. 고른 리듬은 멜로디를 부드럽고 부드럽고 간헐적으로 만듭니다. 단호하고 행진하는 음악에 자주 사용되는 멜로디 흥분과 긴장감을줍니다. 리듬 덕분에 익숙하지 않은 작업에서도 즉시 결정할 수 있습니다. 이것은 왈츠, 폴카, 행진 등입니다. 이러한 각 장르는 작업 전체에서 반복되는 특정 리듬 수치가 특징입니다. .

그리스어 "rythmos"는 측정된 전류를 의미합니다. 이 용어는 음악에만 국한된 것이 아닙니다. 우리 삶의 모든 것은 특정한 리듬을 따릅니다.

리듬은 주변 세계의 모든 곳에서 드러납니다. 계절, 달, 주, 낮과 밤이 리드미컬하게 번갈아 나타납니다. 리듬 인간의 호흡과 심장 박동. 대칭적으로 배열된 창, 기둥 및 몰딩이 있는 리드미컬한 건축 구조, 궁전 및 주택.

구세주 그리스도 대성당. 모스크바, 러시아

이 모든 것은 리듬이 삶의 기본 원칙 중 하나임을 시사합니다. 리듬은 생물과 무생물에 존재하며 우리는 파도 소리, 나비 날개의 패턴, 컷에서 그것을 듣고 봅니다. 모든 나무, 모든 매듭.

리듬 감각은 사람들 사이에서 고도로 발달되어 있습니다. 리듬은 사람이 일련의 단조로운 움직임을 수행할 때 작업의 특징입니다. 예를 들어 잘 알려진 "Dubinushka"와 같이 사람들이 단조롭고 지루한 작업에 동행하는 노래는 리드미컬 한 작업 시작을 강조합니다.

I. 레핀. 볼가의 바지선 운반선

어린 아이들이 자장가 소리에 왜 그렇게 빠르고 쉽게 잠이 드는지 궁금한 적이 있습니까? 음악적 농담을 부르면 왜 즉시 춤을 추기 시작합니까? 결국, 아이는 아직 아무것도 배우지 않았으며 어떻게 든 음악에 반응해야한다는 것을 모릅니다 (움직임, 춤 등).

이것은 아마도 음악적 리듬이 인간 본성에 가장 가깝고 그것에 따라 행동함으로써 반응을 불러일으킬 수 있다는 사실 때문일 것이다. 그리고 모든 응답은 이미 대화, 외부 세계와의 사람의 의사 소통, 그것과의 첫 번째 통일감입니다. 결국 자신을 무한히 잃어버린 외로운 모래알이 아니라 자신처럼 살고 느끼는 세상의 본격적인 부분으로 느끼는 것이 매우 중요합니다.

그렇기 때문에 리듬은 사람과 삶, 사람, 시간과의 연결의 원래 형태라고 때때로 말하는 것입니다. 리듬은 자연, 인간 및 그의 활동과 우주의 연결을 반영합니다. 리듬이라는 단어는 "측정"을 의미합니다.

사람들은 오랫동안 음악적 리듬의 본질을 이해하려고 노력해 왔습니다. 존재의 모든 영역에서 리듬의 지배는 세계를 이해하는 최초이자 가장 중요한 고대 이론이 우주 구조에서 음악을 전면에 내세운 이유였습니다. 고대 그리스의 철학자이자 수학자 피타고라스는 세상을 천구의 끝없는 움직임에 의해 생성되는 소리인 "구체의 음악"에 의해 제어되는 일종의 보편적인 악기로 상상했습니다. 세계에 대한 이 웅장한 그림의 중심에는 우주에 질서와 조화를 가져오는 네 개의 초기 신성한 숫자(1-2-3-4)가 있었습니다. 질서, 즉 진실, 아름다움, 대칭에도 도덕적 특성이 부여되었습니다. 피타고라스의 Philolaus는 다음과 같이 썼습니다. "수와 조화의 본성은 거짓을 용납하지 않는다... 질서와 대칭은 아름답고 유용한 반면 무질서와 비대칭은 추하고 해롭다."

질서, 대칭은 리듬의 기본 속성입니다. 단순한 동요에서 복잡한 기악 주제에 이르기까지 다양한 음악 작품에서 그것들을 발견하는 것은 우연이 아닙니다.

다음은 M. Krasev의 잘 알려진 노래 "Herringbone"입니다. 노래를 부르면 즉시 가벼움, 자연스러움, 리듬과 멜로디의 비율을 느낄 수 있습니다. 아마도 이 노래는 어린 아이들도 쉽게 기억하고 부를 수 있기 때문에 인기가 많은 것 같습니다.

그리고 여기 완전히 다른 예가 있습니다. L. Beethoven의 피아노 소나타 17번 피날레에서 가져온 것입니다. 이 예를 단순한 동요와 동등하게 만든 이유는 무엇입니까? 결국 많은 사람들은 베토벤의 소나타가 기쁨, 의심, 철학적 성찰이 있는 가장 복잡한 세계이며 상상할 수 있는 모든 음악적 표현 수단을 포함하고 있다는 것을 알고 있습니다.

1770 - 1827
독일의 작곡가, 지휘자, 피아니스트

그러나 그 모든 복잡성에도 불구하고 베토벤의 음악은 리듬의 자연 법칙이 동요와 피아노 소나타에서 동등하게 작용하고 이러한 법칙이 다음과 같은 작곡가의 지적 복잡성이나 음악적 용기의 영향을 받지 않는다는 사실을 정확하게 증명합니다. 그는 베토벤이었습니다. 베토벤의 음악을 들으면서 우리는 결코 무관심하지 않고, 이 위대한 음악가들의 음악의 생생한 전율과 매력에 변함없이 굴복하고 있기 때문이 아닐까요? 음악 예술의 기본적이고 자연스러운 속성?

질문 및 작업:
1. 리듬이란 무엇이며 음악 언어에서 그 의미는 무엇입니까?
2. 왜 리듬이 음악의 기본이 되는가? 리듬 없이 음악이 존재할 수 있을까?
3. 리듬은 음악의 특성에 어떤 영향을 미칠 수 있습니까?
4. "질서, 대칭은 리듬의 기본 속성입니다."라는 단어를 어떻게 설명할 수 있습니까?

프레젠테이션

포함:
1. 프레젠테이션: 13개의 슬라이드, ppsx;
2. 음악 소리:
베토벤 소나타 17번, III 악장 Allegretto, mp3;
작은 크리스마스 트리는 겨울에 춥습니다(사운드트랙 제외), mp3;
이봐, 가자 (Optina Pustyn의 상트 페테르부르크 컴파운드 남성 합창단 연주), mp3;
3. 기사, docx.